domingo, 1 de octubre de 2017

La escultura griega (primera parte)


La escultura griega :

 El hombre será el centro de la escultura griegabelleza, expresión y movimiento definen los rasgos capitales de la escultura griega, aunque en este sentido se producirá una clara evolución a lo largo del tiempo hasta alcanzar la perfección 

Voy a empezar con un texto que nos ayudará a entender mejor el significado de la escultura griega
"El origen de la escultura en Grecia está unido a un personaje legendario, "Dédalo", al que se le considera padre de las artes. "Es un ateniense, perteneciente a la familia real, que tiene su origen en Cécrope, prototipo del artista universal, arquitecto, escultor y pintor e inventor de recursos mecánicos. Se le atribuyen en la antigüedad las obras de arte arcáicas (...).
Así, se le atribuyen obras como la Dama de Auxerre, a la que se le califica de estilo Dedálico y que será el punto de arranque en el estudio de las Korai.
Ved aquí la verdad: Los escultores e imagineros de la época ejecutan los pies y las manos de manera simétrica y unidos al cuerpo. Sin embargo, Dédalo fue el primero que realizó una estatua con un pie en actitud de avanzar. Por esto la gente solía decir: "Dédalo no sólo ha conseguido que la estatua se aguante de pie, sino también que camine..."
En VVAA: Fuentes y documentos para la Historia del Arte. Gustavo Gili. Barcelona 1982. Págs 273-274. 










SOBRE EL "CANON"
"La belleza reside, no en la proporción de los elementos constituyentes, sino en la proporcionalidad de las partes, como entre un dedo y otro dedo, y entre todos los dedos y el metacarpo, entre el carpo y el antebrazo y entre el antebrazo y cl brazo, en realidad entre todas las partes entre si, como está escrito en cl Canon de Polícleto. Para enseñarnos en un tratado toda la proporción del cuerpo, Polícleto apoyó su teoría en una obra, haciendo la estatua de un hombre de acuerdo con los principios de su tratado y llamó a la estatua, como al tratado, Canon.
No por casualidad, uno de los maestros griegos de la época, el escultor Polícleto, se ganará el título de «grande» de sus contemporáneos más por el canon —el sistema de relaciones matemáticas establecido entre todas las partes del cuerpo— que por sus también notables obras escultóricas. Reaparece aquí, como en la arquitectura la tendencia helena a instituir una regla y después buscar las perfectas proporciones dentro de esta regla; así como el concepto de que un todo perfecto es la suma perfecta de partes perfectas.
Es necesario —afirma Polícleto— que la cabeza sea la séptima parte de la altura total de la figura, el pie dos veces la longitud de la palma de la mano mientras la pierna, desde el pie a la rodilla, deberá medir seis palmos, y la misma medida habrá también entre la rodilla y el centro del abdomen Para demostrar la exactitud de su canon esculpió una estatua que nos ha llegado en numerosas copias romanas: el Doríforo —es decir, el portador de lanza—, un joven, una vez más, completamente desnudo, que lleva con desenvoltura una ligera lanza en la mano."Galeno, De temperamentis (siglo II d.C.).




PASAMOS A CONCRETAR CON LAS CARACTERÍSTICAS GENERALES

ESCULTURA GRIEGA: CARACTERÍSTICAS Y ETAPA ARCAICA (S. VII-V a. Cto.)

La escultura griega recibe influencias de la escultura cretense y micénica, de Egipto y
 de las culturas de Próximo Oriente. Influirá: en Etruria.

- Es importante tanto el relieve como la escultura exenta.

- Evoluciona desde esquemas geométricos(EN LA ÉPOCA ARCAICA)

 hacia un realismo matizado.

- Utilizan piedra y mármol, y suelen policromar las esculturas con colores vivos.

 Heredan de época geométrica la utilización de la madera.

- Ya en época preclásica comienzan a utilizar el bronce.

ETAPAS Y CRONOLOGÍA
CRONOLOGÍAPERIODOAUTOROBRA
VII – VI a.C.Edad Arcaica
Kóuros Anavissos
Koré del Peplo
Siglo V a.C.ClasicismoMirón
Policleto
Fidias
Discóbolo
Doríforo

Procesión de las Panateneas

Siglo IV a.C.ClasicismoLisipio
Praxíteles
Praxíteles
Scopas
Apoxiomeno
Hermes con el niño Dionisio
Afrodita de Cnido
Ménade
Siglos III-II a.C.HelenismoAgesandroLaocoonte y sus hijos
Venus de Milo
Victoria de Samotracia
El Galo moribundo
En este post analizaremos la escultura arcaica

ESCULTURA ARCAICA GRIEGA


- La figura del hombre aparece en la mayoría de los casos desnuda.

 La mujer aparece cubierta por el Peplo, 
que era la vestimenta típica femenina. Lo que demuestra un mayor interés
 por el estudio de la anatomía masculina.

- La escultura de esta época era frontal, rígida, hierática.

 Normalmente aparecen de pie, con una pierna adelantada
 y los brazos en paralelo al cuerpo o en actitud oferente.
 Marcan mucho los ojos y tienen una misteriosa sonrisa 
que más tarde influirá en el arte Etrusco.

- Las figuras femeninas reciben el nombre de KORÉ o KORAY, 

y las figuras masculinas
 el de KOUROS o KUROY,
 y aparecen a partir del siglo VI a. Cto.

EJEMPLOS:


"La dama de Auxerre" (Museo del Louvre de París, c. 630-600 a. C.): 

Rígida, hierática, 
sigue la ley de la frontalidad únicamente rota por la mano.
 Ojos almendrados,
 frente saliente,
 pelo con tirabuzones siguiendo la moda marcada por Creta. 
Hombros anchos y cintura muy marcada, 
también de influencia cretense. 
Las manos y los pies son desproporcionados.



"La Hera de Samos"

 (Museo del Louvre de París, c. 575-550 a. C.) 
Estatua procedente de Samos 
dedicada por Ceramies. 
Más evolucionada que la anterior, 
apareció sin cabeza
 y su peplo está más trabajado.



“La Koré del Peplo" (Museo de la Acrópolis de Atenas, 530-520 a. C.) 

Como la mayoría de las Koré
 aparece oferente. 
Trabajo evolucionado del cabello,
 un brazo va paralelo al cuerpo 
y con el otro extiende 
la ofrenda. 


KOUROS DE ANAVISSOS 
(SE COMENTARÁ EN EL BLOG DE UNA COMPAÑERA) 
(Museo Nacional de Atenas,
 540-515 a. C.) Es un Kouros desnudo, 
con los brazos en paralelo al cuerpo. 
Tiene cierta conexión con la escultura egipcia
 por la postura hierática,
 el pie adelantado... 
Hay mucha idealización
 y marca mucho las distintas partes del cuerpo.



"Frontón del Templo de Artemisa" (corfú). Gorgona

 del frontón del templo arcaico en Corcira (Corfú), 
c. 600-580 a. C.



"La esfinge alada" del siglo VII o VI a. Cto.

 Influencia oriental,
 estaba situada en el frontón del "Templo de Artemisa" en Korfú.



"La Malcarada" (Museo de la Acrópolis, Atenas) del siglo VI a. Cto.

 Se acerca mucho a lo que será el tratamiento clásico. 
Los ojos no son tan almendrados y la boca sobresale más.



"El efebo rubio" (Museo de la Acrópolis de Atenas, c. 490-480 a. C.)

 Evoluciona en el tratamiento del rostro. 
Su cabello es más naturalista, 
pero aún no es perfecto.



“El Moscóforo” (Museo de la Acrópolis de Atenas, 575-550 a. C.)

 o "portador del ternero".
 Representa a un personaje llamado Rombo en actitud de llevar
 en ofrenda el animal a Atenea.




“El Jinete Rampín”, (575-550 a. C.,

 Museo del Louvre de Paris (cabeza) 
y Museo de la Acrópolis de Atenas
 (tronco)). 





“Critios joven” (Museo Nacional de Atenas, 490-480 a. C.)




martes, 7 de marzo de 2017

Mujeres Pintoras

Morisot, mujer "chic"

Retrato de Berthe Morisot recostada (1873), por Édouard Manet, en el Musée Marmottan Monet, París.
Muchas actividades de una profesora de historia del arte en activo pueden ser satisfactorias, agradables e incluso necesarias.
Conocer la obra artística de B. Morisot fue el inicio de una admiración por el arte que hoy sigue siendo parte de mí.
A propósito de la celebración del día de la mujer el comentario me lleva casi sin darme cuenta a la obra de las pintoras impresionistas,aunque dentro del movimiento impresionista la presencia de las mujeres fue casi ignorada por los críticos de arte y no del todo considerada por el resto del grupo. Pero sería injusto dejar de lado la presencia de verdaderas artistas como Berthe Morisot, Mary Cassat, Marie Bracquemond y Eva Gonzales.
La primera exposición impresionista fue en 1874 y ya en ella encontramos la presencia de Berthe Morisot
La obra de Berthe Morisot contiene escenas intimistas ,el cuadro titulado “La cuna” (1872-Museo de Orsay), nos deja ver un mundo sereno.

La Cuna, sin duda alguna, el cuadro más famoso de Berthe Morisot, fue pintado en 1872, en París. La artista representa en él a una de sus hermanas, Edma, velando por el sueño de su hija, Blanche. Es la primera aparición de una imagen de maternidad en la obra de Morisot.
Como otros pintores del grupo mostró preferencia por los visillos de muselina o gasa, que actuaban como filtro transparente para la luz del sol, tan importante en estas pinturas.

Sus mujeres se distinguían por tener un cierto aire “chic” parisino, dado que ella misma era cuidadosa de su persona y coqueta.
Los detalles de la vestimenta no fueron olvidados ni aún en las escenas de exteriores, donde hasta el vuelo de las cintas de un sombrero daban el toque personal a sus obras.

RETRATO DE BERTHE MORISOT
Morisot fue alumna de Corot y cuñada de Manet.
Sus cuadros son íntimos y captan el silencio de los interiores dejando sentir la ternura de sus personajes anticipando el arte de Vuillard y Bonnard

EL ESPEJO
En la obra de Morisot, EL ESPEJO, los tonos claros dan al interior una luminosidad difusa y dejan entre los objetos, las telas y el espejo una trama de relaciones psicológicas.
Berthe Morisot (Bourges,1841-París,1895) nunca ha sido debidamente valorada entre los grandes exponentes del Impresionismo, sin duda por la falta de un conocimiento de su obra.
Pero su arte resuelto, delicado y vigoroso a la vez, es de una modernidad manifiesta. Pudo influir en ello el hecho de que fuera mujer, en un mundo del arte reservado tradicionalmente para los varones. En este sentido, hay que reconocer que el papel creativo de las mujeres fue durante mucho tiempo limitado, al ser excluidas de las Academias de Bellas Artes por hombres que preferían verlas en un mundo alejado de la práctica profesional de las artes. Pero lo cierto es que Monet, Pisarro, Renoir y demás, fueron conscientes de la valía de Morisot, quien, como recordara Pisarro en 1895, fue una "gran mujer de extraordinario talento que honró a nuestro grupo impresionista". Renoir, que la conocía bien, alabó también sus cualidades, y Manet, su mejor amigo y colaborador, sintió verdadera admiración por su libertad de experimentación.

viernes, 27 de enero de 2017

Características de la pintura gótica

Dejo las características de la pintura gótica para que sirva de motor al desarrollo de este tema tan importante en esta evaluación

Este es el retablo de la Virgen de Tortosa de Pere Serra.


Al pasar de la arquitectura románica a la gótica hay una progresiva reducción de los muros y una espectacular sustitución de estos por vidrieras,lo que supone la búsqueda de otros soportes, desarrollándose la pintura sobre la tabla, aunque aun quedan algunos rincones y espacios reservados para los frescos e incluso capillas enteras donde la decoración es básicamente de pintura al fresco.


En pintura gótica es difícil hablar de características generales, se suele analizar las diversas escuelas y tendencias, pero podemos señalar las siguientes características:

- Las técnicas empleadas son : temple y óleo, en pintura sobre tabla, y el fresco en las pinturas murales.

- El dibujo tiene mucha importancia: delimita formas, marca modelados, crea ritmos compositivos..

- Importancia del modelado, desde tonos planos al juego de contraluces para dar volumen a las figuras

- La luz contribuye a destacar el volumen, pero en general no es una luz real y puede tener contenido simbólico



- El color es un elemento clave, se utiliza en gamas ternarias, con frecuencia es un colorido irreal lleno de contenido simbólico

- El interés por la perspectiva también evoluciona, aparece la preocupación por el espacio pictórico a partir del siglo XIV, con los pintores italianos y el gótico internacional

- La composición tiene muy en cuenta el eje de simetría, con los elementos orientados hacia el centro teórico del cuadro.

- Las formas de expresión reflejan un nuevo ideal estético hacia un naturalismo idealizado individual y expresivo, al igual que en la escultura.

Patética expresión de dolor en uno de los ángeles del Llanto sobre el cuerpo de Cristo, pintura mural realizada por Giotto (h. 1266-1337) en la Capilla de los Scrovegni de Padua.

- La temática religiosa, y en menor escala también la profana


Pere Serra. Retablo de Todos los Santos, en el monasterio de Sant Cugat, 1375. En la imagen detalle del retablo de Todos los Santos del monasterio de Sant Cugat


- Tiene un carácter narrativo y finalidad didáctica y devocional



Maestro del Jardín del Paraíso, escena; «María en el jardín con santos», Instituto Städel, Fráncfort del Meno, h. 1410



La evolución de la pintura gótica se realiza en cuatro etapas que reflejan la evolución y la personalidad de los artistas:

1. Estilo franco gótico (mediados del siglo XII hasta mediados del siglo XIV)
2. Estilo italo-gótico (segunda mitad del siglo XIV) destacan: La escuela de Siena y La escuela de Florencia



3. El estilo internacional (finales del siglo XIV y primera mitad del siglo XV)



4. La escuela de los Primitivos Flamencos (siglo XV y principios del siglo XVI)



Esta última etapa nos interesa, para poder hacer así un análisis exhaustivo del “Matrimonio Arnolfini” y de otras obras importantes,como el poliptico de san Bavón de Gante y el descendimiento de Van der Weyden que realizarán los alumnos en sus blogs


En el siglo XV, algunas ciudades de Flandes se convierten en sedes de una importante escuela pictórica, que para muchos autores supone ya los inicios del Renacimiento. Tiene sus orígenes en el gótico internacional y su mayor aportación al arte europeo será su progresiva captación de la realidad, que se inspira en la escultura y que se verá favorecida pro la nueva clientela: la burguesía. Las características del estilo flamenco son:

- Innovación técnica. El trabajo de pintura al óleo que permite realizar superficies muy lisas y los cuadros ganan en color, luz y juegos de trasparencias, además de un trabajo lento que da lugar al virtuosismo.


                            Roger van der Weyden; Descendimiento, h. 1443, Museo del Prado, Madrid.
-

 Desarrollo de la pintura sobre tabla

- Minuciosidad y gusto por el detalle. Las obras se conciben para ser contempladas de cerca, y por eso se recrean detalles.

- Introducción del retrato a través de la imagen del donante

- Valoración de la luz

- Interés por la reproducción de los objetos de la vida cotidiana, como las escenas burguesas en interiores, con muebles, cuadros y diversos objetos.

- Amor al paisaje, que se aprecia en las luces del horizonte o en los brillos de las aguas.

- Naturalismo y realismo. Un enfoque cercano lleva a los pintores a una representación veraz de la realidad, captando todos los detalles.

- Creación de un espacio pictórico, como consecuencia del realismo y el naturalismo con que se realizan las obras



Una primera generación de pintores, está compuesta por los hermanos Jan y Humberto Van Eyck, Roger Van Der Wyden, Campin y Patinir. En la segunda generación de pintores flamencos, que se extiende a lo largo de la segunda mitad del siglo XV y principios del siglo XVI, destacan pintores como: Memling, Gerad David, y El Bosco.

Autor: Bosco (El)
Museo: Madrid, Museo del Prado
Caract: Óleo sobre tabla, 135 x 100
Estilo: Gótico

En España, la influencia flamenca destaca en los catalanes: Luis Dalmau y Jaume Huguet; en Castilla sobresale Bartolomé Bermejo, Jorge Inglés y Fernando Gallego.

lunes, 21 de noviembre de 2016

Iconografía Bizantina

Iconografía bizantina

En Historia del Arte  estamos estudiando el arte bizantino y os pongo un estudio iconográfico de los iconos, profundizando un poco más en el significado de estos
Icono viene de la palabra griega eikon que significa “Imagen”.  En el arte bizantino, el icono es mucho más que una pintura, es una creación hecha con un significado profundo. 
Los iconos normalmente son pintados por monjes y se cree que estos han sido divinamente inspirados.
Todos los iconos en el arte bizantino siguen una iconografía.
¿Qué es la iconografía?
La Iconografía es la descripción del tema o asunto representado en las imágenes artísticas, así como  su simbología y los atributos que identifican a los personajes representados.
Vamos a analizar los temas más comunes en los iconos bizantinos:
Existe un número limitado de temas y los primeros iconos muestran sólo a Cristo, la Virgen María y a los principales apóstoles. Con el tiempo, existió más variedad y se empezó a incluir las doce grandes fiestas del calendario cristiano.
·         Las cuatro celebraciones de la Madre de Dios: La Natividad de la  Virgen María, La presentación de la Virgen María en el templo, la Anunciación y el Ascenso de la Madre de Dios.
·         Las seis celebraciones de Cristo: La Natividad, la presentación de Jesús en el Templo, El Bautismo de Jesús, La manifestación de Dios, La entrada en Jerusalén y la Ascensión.
·         Las dos últimas: Pentecostés y la exaltación de la Cruz.
Las vidas de los Santos también aparecieron en los iconos y muy ocasionalmente las escenas del Viejo y Nuevo testamento.
Nos vamos a detener un poco más en la representación de la Virgen María
 La Virgen fue la figura más representada por los iconógrafos desde el siglo V al XVII. Sobre todo a raíz del Concilio de Éfeso, del 431. Suele aparecer hierática y majestuosa, con la cabeza cubierta de un velo o manto, llamado maphorion. Generalmente la Virgen aparece con el Niño, con rasgos de adulto.
Theotokos (en griego: Θεοτόκος; en latín: Deipara o Dei genetrix) es una palabra griega que significa Madre de Dios (literalmente, 'la que dio a luz a Dios'). Su equivalente en español, vía latín, es Deípara. Es el título que la Iglesia cristiana temprana le dio a María en el Concilio de Éfeso de 431 en referencia a su maternidad divina.
Theotókos es también un tipo iconográfico de la Virgen en el arte bizantino, en el que aparece sentada en un trono con el Niño Jesús en su regazo, mirando ambos al frente. En este modelo iconográfico se basa otro característico del arte románico: la Maiestas Mariae (majestad de María o suprema alteza –en los cielos).
La Theotokos presenta asimismo en el manto el adorno de tres estrellas, una en cada hombro y otra en el centro de su frente, para enfatizar su virginidad perpetua (y probablemente emblema de la Santísima Trinidad), indicando que María se mantuvo antes, durante y después del parto virgen.
Eleusa, en griego, Ἐλεούσα, "ternura" es un tipo de icono donde se muestra la estrecha relación que existe entre Jesús y la virgen María y el fuerte vínculo que los une como madre e hijo. La función de esta composición es mostrar a los fieles que María se presenta también como Madre de todos los cristianos.

Los colores:
estos tienen  un significado profundamente teológico.

El Dorado
Símbolo de la dorada luz del sol que provenía de la Divinidad, pues en la naturaleza no es posible encontrar este color. En los iconos todos los fondos están cubiertos de este color, el que se logra aplicando hojas de pan de oro
En la iconografía bizantina representa la luz de Dios, por lo tanto cualquier figura representada en ellos está llena de la luz Divina.
EL Blanco
El blanco no es propiamente un color, sino la suma de todos ellos. Es la luz misma. Es el color de la "Vida Nueva". En el icono de la Resurrección, la túnica de Cristo es blanca.
El Negro
Contrapuesto al blanco, pues es la ausencia total de luz, la carencia total de color. El negro representa la nada, el caos, la muerte, pues sin luz la vida deja de existir.
El rojo
Este color ha sido ampliamente utilizado por los iconógrafos en los mantos y túnicas de Cristo y los mártires. Simboliza la sangre del sacrificio, así como también al amor, pues el amor es la causa principal del sacrificio. Al contrario del blanco que simboliza lo intangible, el rojo es un color netamente humano; representando por lo tanto, la plenitud de la vida terrenal.
El Púrpura
Este colorante, extraído de un crustáceo del mar Rojo, era utilizado para teñir las finas sedas. A partir del "Código Justinianeo" su uso quedó reservado exclusivamente para el emperador, sus familiares más cercanos, los "augustos" y para algunos otros  reyes.
Por lo tanto en los iconos este color se hace representativo del poder imperial. Es utilizado únicamente en los mantos y túnicas del Pantocrátor, y de la Virgen o Teothokos. Representando que Cristo y por extensión  su Madre, detentan el poder divino. Como Cristo es también el Sumo Sacerdote de la Iglesia, simboliza el Sacerdocio.
El Azul
Todas las antiguas culturas hicieron del azul un color relacionado con la divinidad
En Bizancio fue establecido como el color propio de Dios y de las personas a las cuales les transmite su santidad.
Michel Quenot, en su obra "El Icono" dice:  El azul ofrece una transparencia que se verifica en el vacío del agua, del aire o del cristal. La mirada penetra ahí hasta el infinito y llega a Dios.
El Verde
Es el color resultante de la combinación del azul y el amarillo. El verde es el color de la naturaleza, el color de la vida sobre la tierra, del renacimiento a la llegada de la primavera.
La iconografía le otorga un significado de renovación espiritual. En los iconos vemos multitud de ejemplos en donde es utilizado: las túnicas y mantos de los profetas, la túnica de San Juan Bautista o El Precursor, etc. pues fueron ellos quienes anunciaron la venida de Cristo.
El Marrón
Este color es también producto de la mezcla de varios otros, como el rojo, el azul, el blanco y el negro. Es el color de la tierra.
 Y por lo tanto la iconografía pinta de color marrón los rostros de las imágenes que aparecen en los iconos, para recordar aquello de polvo eres y en polvo te convertirás.
Significa también "humildad", pues esta palabra proviene del vocablo latino "humus" que significa  "tierra". Es por ese motivo que los hábitos de los monjes son de ese color.
Oro, blanco, negro, rojo, púrpura, azul, verde y marrón son los únicos colores que pueden ser utilizados en la pintura de los iconos, el uso de otras combinaciones de colores queda fuera de toda regla iconográfica pues no contienes ninguna simbología. 

viernes, 11 de noviembre de 2016

EL RETRATO Y EL RELIEVE HISTÓRICO EN LA ROMA IMPERIAL





El tema de la escultura romana que  estamos viendo en clase queda completado en el blog con el comentario de esta obra.

AUGUSTO DA PRIMA PORTA

ENCUADRE:
Obra: Augusto arengando a las tropas o Augusto de Prima Porta. Museos Vaticanos. Roma.
Género: Escultura de bulto redondo (retrato romano).
Estilo: Arte romano.
Cronología: Imperio romano. Posterior al 14 d.C. (Siglo I d.C.), de un original del 20 a.C.
Otras obras: de la misma temática, por ser el mismo personaje, puede incluirse el Augusto como pontífice máximo o Augusto de Vía Labicana, del 12 a.C.
ANÁLISIS:
Personificado como thoracatus —o jefe supremo del ejército romano estamos ante un retrato, de cuerpo entero, del emperador Octavio Augusto.



La estatua es una imagen idealizada de Augusto que se basa en el Doríforo de Policleto del siglo V a. C.
Es una figura de bulto redondo, tallada en mármol,que aún conserva restos de dorado, púrpura, azul, y otros colores con los que fue policromada.
La postura es de CONTRAPOSTO  creando diagonales entre los miembros tensos y los relajados, es un rasgo típico de la escultura clásica.

Augusto aparece en pie, vestido de militar, sosteniendo un bastón de mando consular y levantando la mano derecha, mostrando la corona de laurel del triunfo a sus tropas.



La coraza tiene una serie de relieves que hacen alusión a diversos dioses romanos, entre ellos, Marte, el dios de la guerra, también personificaciones de los últimos territorios conquistados por él: Hispania, Galia, Germania, Partia (persas de la frontera del Eufrates que habían humillado a Craso, y aquí aparecen devolviendo los emblemas robados a aquellas legiones); sobre ellos, el carro del Sol, ilumina los pasos de Augusto.

COMENTARIO:

La escultura representa al emperador Augusto (63 a.C.-14d.C.). Tras el asesinato de Cesar, que le había declarado su heredero, formó parte del Segundo Triunvirato junto con Antonio y Lépido, de quienes se deshizo posteriormente. Hecho con el poder absoluto, recibió los títulos de Imperator y Augusto en el Senado en el 27 a.C., a pesar de intentar mantener la ficción republicana. Dirigió sus luchas contra astures, cántabros y germanos. Conquistó la cuenca del Danubio y proporcionó al Imperio una época de paz, estabilidad y esplendor cultural (Pax Augusta) que duró dos siglos (Alto Imperio), si bien en medio de una notable falta de libertad.

La obra probablemente es réplica o copia de otra escultura del emperador, realizada en bronce, tras las conquistas y pacificación en Hispania y la Galia. A pesar de la influencia republicana del retrato (los rasgos veraces de Augusto), el estilo de este retrato está más cerca del idealismo helenizante. Su rostro tranquilo y sereno, su pose decidida y enérgica, la musculatura perfecta, las proporciones anatómicas y la postura clásica del controposto señalan el deseo de idealizar la figura, de hacer un prototipo o modelo del gobernante perfecto. Todo ello convierte al retrato imperial romano en un auténtico instrumento de propaganda gubernamental, cuya función política es evidente: mostrar al pueblo romano que el emperador era un ser excepcional, equiparable a los antiguos héroes mitológicos, e incluso digno de ascender a la divinidad del Olimpo, pues reúne todas las virtudes, físicas y morales, que debía tener un ser excepcional, digno de gobernar aquel inmenso Imperio. Se trata de la aristocrática naturalidad de quien se sabe portador y responsable de una gloriosa herencia.

Por otro lado, el copista nos presenta a Augusto divinizado, que se aprecia al ponerlo descalzo, lo cual correspondía en el mundo clásico a los dioses y mortales deificados. Augusto fue divinizado a su muerte y su mujer Livia fue convertida en su sacerdotisa. Los pies descalzos pueden simbolizar que el emperador ya estaba en el Olimpo. A sus pies, a modo de soporte, Cupido sobre un delfín en alegórica referencia a la descendencia de la Gens Julia de Venus a través de Eneas, que a su vez desciende de Rómulo y Remo, hijos de Marte. La tradición dio al hijo de Eneas, Ascanio, el nombre de Iulio, con lo que la gens Julia quedaba emparentada con los dioses, con los fundadores de Roma y con los héroes troyanos. Como era habitual en épocas pasadas, de esta forma se entroncaban religión, linaje y política, revistiéndose al poder personal de una aureola sagrada que justificase su ejercicio.

Con este retrato se inaugura y SE FIJA  la modalidad de retratos imperiales de a pie, que proliferarán por todo el Imperio. Culmina así la larga e intensa tradición del retrato en Roma, que tuvo dos líneas básicas: el realismo etrusco y el idealismo helenizante. En la línea de esa corriente realista y popular, hunde sus raíces en los retratos funerarios etruscos. El fondo pragmático y realista del latino le exige retratos fidedignos y casi nunca idealizados. El artista esculpe en las cabezas una fidelidad al modelo que traduce no sólo el parecido físico sino el psicológico. Sin embargo, en el Imperio, al retratar a los grandes emperadores, se prefiere la suavización de sus rasgos, las formas bellas y perfectas y la contención moral. El siguiente paso será la representación de los emperadores semidesnudos, coronados de laurel y portando atributos divinos como el águila de Zeus. El proceso de divinización se acelera y Claudio es ya reconocido como dios en vida. Sin embargo, no se caerá en la idealización de los rostros, que seguirán respondiendo a la realidad fisonómica del retratado.

Dentro del retrato imperial podemos señalar varios tipos iconográficos:

El estilo de este retrato está más cerca del idealismo de la época helenística, que del realismo latino. Tiene la técnica de paños mojados, una técnica que transparenta la musculatura de Augusto.

Augusto ha sido retratado descalzo, como los antiguos héroes olímpicos, y un Cupido (que cabalga sobre un delfín) le abraza la pierna, simbolizando su inmortalidad como heredero de la diosa Venus a través de Eneas.


El retrato oficial, los emperadores romanos lo convirtieron en instrumento de propaganda gubernamental, cuya función política era muy evidente: se trataba de mostrar al pueblo romano que el emperador —Augusto, en este caso— era un ser excepcional, equiparable a los antiguos héroes mitológicos, e incluso digno de ascender a la divinidad del Olimpo.

El Emperador retratado
Augusto, fue el primer emperador de Roma (del 27 a. C., al 14 d. C.) y, además, puso fin a las guerras de conquista, comenzando un periodo de paz que, salvo guerras esporádicas, duró dos siglos (pax romana).

En la escultura, también hubo importantes cambios: si en época republicana dominaba el realismo extremo. Durante el Imperio la influencia griega se deja ver en los retratos de los emperadores, que eran idealizaciones que resumían todas las virtudes que debía tener alguien excepcional, digno de gobernar aquel imperio.

Los tipos iconográficos de Retrato Imperial serían los siguientes:

*Ésta de Augusto Prima Porta es una imagen toracata, en calidad de jefe militar supremo



* También podía ser representado como Pontifex Maximus: con un velo en la cabeza oficiando como jefe religioso o sumo sacerdote (como el retrato de Augusto del Museo de las Termas, Roma)



* Togatus: representando al emperador con toga senatorial, como jefe civil absoluto, (ej.: retrato de Augusto como Pretor, en el Museo del Louvre).





* Otros modelos eran el retrato ecuestre, del que sólo conservamos un ejemplo, el de Marco Aurelio...,



* Y el retrato Apoteósico, que representa al emperador semidesnudo, personificando a algún dios romano (el primero de la izquierda)




La estatua del emperado Augusto que se comenta fue descubierta en 1863, cuando se excavaba una villa palaciega, de los alrededores de Roma, llamada Prima Porta. Al parecer, ése fue el lugar al que se retiró Livia,tercera esposa de Augusto, al morir su esposo, el emperador, en el año 14 d.C.
La citada escultura parece ser un duplicado encargado por la propia Livia en el año 20 d.C., de un retrato de Augusto, originalmente de bronce dorado (con incrustaciones de oro y otros materiales de lujo), del año 19 a.C., que se exponía en algún lugar público de Roma, probablemente el Foro. Actualmente, esta réplica, que es el mejor retrato conocido de este emperador, se exhibe en los Museos del Vaticano, en Roma.


Livia encarna en la historia de Roma la figura de la mujer inteligente que se convirtió en eficaz colaboradora de Augusto a lo largo de sus más de cuatro décadas al frente del estado romano. Esposa primero de Tiberio Claudio Nerón, con quien tuvo a sus dos hijos Tiberio y Claudio Druso (padre del futuro emperador Claudio), se divorció de éste para casarse - embarazada del pequeño- en el año 39 a.C. con Augusto, el futuro Cesar Augusto, por entonces una estrella emergente en el gobierno de la república.
En este retrato aparece Livia como la diosa Ceres


lunes, 3 de octubre de 2016

BIENVENIDOS

Bienvenidos alumnos de 2º de bachillerato de la asignatura de Historia del Arte del curso 2016-2017:
vamos a usar el blog, color y forma 2, dentro de la asignatura de Historia del Arte  de bachillerato, como un medio que complemente el amplio programa de esta asignatura y os pueda facilitar el acceso a toda la información que existe en las páginas Web dedicadas a la Historia del Arte.


Lo utilizaremos como una referencia a lo largo del curso, y a través de vuestros comentarios y los míos podremos conseguir hacer aportaciones muy interesante sobre la asignatura.

Nuestro blog COLOR Y FORMA 2  pretende ser una vía estupenda para acceder a la Historia del Arte en 2º de Bachillerato.



Aquí encontraremos banco de recursos, zona de reflexiones y noticias, zona de ejercicios y comentarios artísticos, ventana al mundo de las web 2.0. etc.
Así empezamos  este curso 2016-2017 continuando en la línea de los cursos anteriores.






Pero queremos mucho más...


Empezar con ilusión y firmeza el nuevo curso académico 2016-2017 y personalmente deseo aprovechar las amplias posibilidades que nos ofrece Internet.
Tiene que quedar muy claro que vamos a trabajar este curso con un amplio fondo de recursos vinculados a los temas que exige la prueba externa  y...vamos a seguir trabajando con blogs de los alumnos.
Se plantearán ejercicios, casi pequeños trabajos de investigación ,que los alumnos que quieran subir nota habrán de desarrollar en su blog. Convertiremos a las TICs en elementos determinantes en la nota de los alumnos y de la asignatura.

Pero no olvidaremos al alumno tradicional,que guarda su estilo de apuntes a bolígrafo. Este no se verá desplazado por la técnica, es más fomentaremos algunas esrategias para que la tradición y la escritura no pierdan valor.

Lo importante es que todos consigamos disfrutar del Arte asomados a la ventana de este nuevo curso.

BIENVENIDOS AL BLOG COLOR Y FORMA2!!!!!
vuestra profe: 
Pilar Álamo

domingo, 3 de abril de 2016

Visita al museo Reina Sofía

El pasado jueves  31 de marzo los alumnos de 2º de bachillerato y yo misma, profesora suya de historia del arte, visitamos el Museo Reina Sofía y pudimos entrar a fondo en la colección magnífica que tiene en torno al arte contemporáneo. Especialmente visitamos las salas de las obras de entreguerras y el Guernica de Picasso y como en otras ocasiones la sensación de haber aprendido y disfrutado del arte fue general en todos.

He de decir que todos los alumnos, Clara, Adrián, Marta, María, Jorge, Javier, Lidia, Lucía, Miguel, Antonio, Erika y Diana son ejemplo de que el arte está marcando en este curso una evolución y un claro interés por todo lo que nos rodea y nos forma.
Aquí os dejo una magnífica reflexión de dos alumnas que en nombre de todos los compañeros dejan una idea muy clara de lo importante que es visitar las museos.
" Como dijo Lois Lowrv: Por eso tenemos el museo, para que nos recuerde como vinimos y por qué, para empezar desde el principio y construir una nueva vida con lo que aprendimos y trjimos de la anterior. Para saber a dónde vamos pero sin olvidar de dónde vinimos. Para maravillarnos con las sutiles obras del Renacimiento y quedarnos pensativos conel arte contemporáneo. Un museo es aquel lugar donde el tiempo se convierte en espacio, donde debes absorber cada pincelada que vistan tus ojos, donde debes escuchar el silencio que transmiten las esculturas"


 Los alumnos de Segundo de Bachillerato de Historia del Arte hemos tenido la gran suerte, junto a nuestra profesora, Pilar Álamo, de poder visitar en tan solo dos meses dos de los grandes Museos de España: El Museo del Prado y el Museo Reina Sofía. Una vez más el colegio nos da la oportunidad de ampliar nuestros conocimientos a través de salidas como las realizadas. Gracias a poder ver en primera persona obras tan importantes como 'Las Meninas', 'El Descendimiento' o 'El Guernica' ya no solo las hemos memorizado, sino que las hemos aprendido y admirado. Animamos desde esta asignatura a ir a un Museo sin llevar en la cabeza palabras como "aburrimiento" o "tostonazo". Cada persona tiene su propia forma de ver el arte ¡Comparte la tuya! 

Nota

Lois Lowry es una escritora estadounidense de literatura infantil, conocida sobre todo por su obra El dador.