jueves, 19 de marzo de 2020

San José carpintero de Georges de La Tour

San José carpintero de Georges de La Tour ( Museo del Louvre)
 Hoy, que es 19 de marzo, se celebra la festividad de San José. Este descendiente de David, esposo de la Virgen María era el padre putativo de Jesús (P.P.) de ahí que llamemos pepes a los que tienen este nombre.En latín Pater Putativus.
San José siempre era avisado por los ángeles de los acontecimientos que fueron marcando su vida .
El destino de la Sagrada Familia  tuvo mucho que ver con el aviso de un ángel que le indicó la huida a Egipto dejando atrás la furia del rey de Judea, Herodes el Grande. Un ángel también le reveló a José la muerte del rey pero junto a María y Jesús decidió irse a Nazaret de Galilea y no quedarse en Belén.
Alli se estableció y trabajó como carpintero
Su culto que se había extendido en oriente antes del siglo V, llegó a occidente en la Edad Media.
En 1870 fue proclamado patrón de la iglesia universal así como patrón de los carpinteros y de los que están muy cerca de la muerte (moribundos).
En el BARROCO  a San José se le dará más protagonismo por influencia de las órdenes de carmelitas y jesuitas, (CONTRARREFORMA) en las representaciones artísticas, sobre todo en la pintura, representado siempre como un hombre maduro.
En esta obra tenebrista de Georges de La Tour se ve una clara influencia de Caravaggio aunque la particularidad de que la fuente de luz viene de dentro del cuadro, concretamente de la vela que lleva el niño que se supone que debe ser la representación de Jesús.


Las sombras que proyectan los objetos son plasmadas de una manera magistral. Y el fuego y el humo de la vela se funden casi con los rostros y las ropas de los personajes




En este cuadro vemos a dos personajes: San José,carpintero de profesión, y su “hijo” Jesús, que está aprendiendo el oficio. Y de alguna manera, la tabla que está serrando San José es como una prefiguración de la madera de la cruz en la que morirá Jesucristo.
Una de las cosas que causa mayor admiración en la gente que ve esta obra en el Louvre es la mano izquierda del chaval, donde la luz de la vela incide haciendo traslúcidos los dedos y filtrándose entre ellos.


miércoles, 18 de marzo de 2020

LA MUERTE DE LA VIRGEN DE CARAVAGGIO



CLASIFICACIÓN:  "Muerte de la Virgen", óleo sobre lienzo realizado por el pintor barroco italiano Miguel Ángel Merissi más conocido como Caravaggio en 1606 para la iglesia romana de Santa María della Scala. 
ANÁLISIS FORMAL DE LA OBRA: La escena muestra a la Virgen tumbada sobre una mesa (como un lecho provisional) para colocar el cuerpo sin vida. Vestida con un llamativo vestido rojo, María tiene la cabeza ladeada hacia la derecha, el pelo alborotado y la mano izquierda posada sobre el vientre, ligeramente abultado, mientras el brazo izquierdo cae sin vida. Los pies  están desnudos. Tan sólo un casi imperceptible nimbo corona la cabeza de María, único elemento que nos indica la trascendencia del acontecimiento representado. A su lado, sentada sobre un taburete bajo, María Magdalena llora de manera desconsolada, dejando caer la cabeza sobre sus rodillas. Delante de ella observamos una palangana posiblemente usada para lavar el cadáver.  Detrás del lecho mortuorio un grupo compacto de apóstoles velan el cuerpo de María. Vestidos con pesados mantos, en primer término podemos identificar a Pedro, situado a los pies, Pablo, con barba larga que observa meditabundo y Juan, el más joven, vestido de verde, situado junto a la cabeza de la Virgen. El resto de los apóstoles asisten al velatorio mostrando distintas actitudes desde la mirada ausente hasta los que entablan conversación. Creando así una composición cerrada.
La escena está en un ambiente oscuro, en penumbra, haciendo efectos de claroscuro que Caravaggio los lleva al límite con el “tenebrismo”
Predominan colores oscuros y cálidos como marrones, ocres, naranjas y verdes oscuros, destacando el rojo intenso del vestido de la Virgen, así como de la cortina suspendida en la parte superior que cae a manera de telón teatral.
COMENTARIO:
la maravillosa técnica de Caravaggio queda en esta obra representada 
podemos observar el revolucionario tratamiento de la luz que hace el pintor; luz que no sólo sirve para iluminar la escena sino que cobra protagonismo convirtiéndose en un elemento más del cuadro. Por otro lado, vemos el gusto de Caravaggio por la pintura del natural que le lleva a buscar entre personajes populares extraídos de las tabernas y los bajos fondos de Roma los modelos para representar a los personajes sagrados. 





A pesar de que el tema de la muerte o dormición de la Virgen ya había sido representado en numerosas ocasiones, nunca un artista lo había hecho de esta manera.La postura que adopta el cuerpo de María, el vientre abultado así como la lividez del rostro nos descubren que nos encontramos ante un auténtico cadáver.  Caravaggio nos muestra el dolor, la desesperación y la soledad ante la muerte y nada aparece en el cuadro que nos insinúe la Asunción del cuerpo y el alma al cielo.
CONCLUSIÓN: Esta Obra maestra de Caravaggio es fiel reflejo de lo revolucionario y novedoso de su estilo marcado por el profundo fidelidad al naturalismo en la representación.


viernes, 13 de marzo de 2020



EL DAVID DE BERNINI

CLASIFICACIÓN 
   Autor: Bernini.
   OBRA: David
    fecha.1623-1624
    Dimensiones.  1,70 m
   Tipo:  Escultura de bulto redondo
    Material. Mármol blanco
    Estilo:  Barroco
    Localización actual: Galería  Borghese


ANÁLISIS FORMAL DE LA OBRA
David, futuro rey de Israel, es creado por Bernini en el instante en el que girando coge impulso para lanzar por medio de su honda la piedra que derribará al gigante Goliat , rey de los filisteos.
            En el suelo ha dejado la lira, referencia a su futuro como rey poeta, y  una malla que no necesita pues está protegido por su fe.
           Bernini ha elegido un tipo humano más maduro y menos idealizado que los de Donatello y  Miguel Ángel

          Su madurez parece contraria al texto bíblico que le presentaba juvenil.

La expresión de David es muy realista, señala la tensión del momento.
SIMBOLISMO. Tal vez representa la fuerza de la batalla que la Iglesia tiene contra la Reforma protestante.La obra muestra  la nueva estética barroca en la que    los  recursos  artísticos van dirigidos a los sentidos 
a provocar el impacto emocional 




COMENTARIO,  CONTEXTO Y AUTOR
La escultura barroca surge en Roma durante los primeros años del siglo XVII,
Una característica muy importante es la tensión dramática,como vemos en esta obra de Bernini. la perfección técnica, el dominio de la materia (mármol o bronce), el movimiento -que a veces culminaba en el inestable equilibrio junto a la «serpentinata» o la captación del cuerpo humano mientras se agita en espiral-, la gesticulación de brazos y manos, las composiciones en forma de aspa y los ropajes de los personajes agitados por el movimiento del cuerpo, acordes con la predilección de los juegos de luz y sombra tan propios del Barroco. Respecto a la escultura religiosa la mayoría de las representaciones giraron en torno a escenas de martirio, éxtasis místico y alegorías sobre el triunfo de la fe. La escultura ornamental, generalmente de carácter mitológico o alegórico, solía estar destinada a las plazas de las ciudades, mientras que la escultura conmemorativa decoraba palacios, jardines y plazas.


El artista, arquitecto y escultor más representativo de la escultura barroca italiana fue Bernini. Comenzó su carrera con obras de carácter mitológico y bíblico, como los grupos escultóricos de Apolo y Dafne, o el David, llenos de movimiento expansivo, naturalismo y plenitud expresiva. Prosiguió creando grandes composiciones con efectos escenográficos entre los que destacan la Tumba de Urbano VIII (bronce y mármol) en San Pedro del Vaticano. El Éxtasis de Santa Teresa es un verdadero manifiesto del Barroco por la apariencia de las imágenes suspendidas en el aire, el estudio del bulto redondo, la utilización del mármol liso y rugoso, el tratamiento vaporoso de la vestimenta de la desfallecida, el rostro con los ojos cerrados y la boca entreabierta contrastado con la vitalidad del ángel. 

martes, 4 de septiembre de 2018

Oskar Schlemmer y David Bowie

Hoy 4 de septiembre hemos podido ver todos al abrir nuestro ordenador y empezar a navegar por Google que era el 130 aniversario del nacimiento del artista alemán que revolucionó el ballet con sus vestuarios.

Aunque Oskar Schlemmer (1888-1943) fue pintor y escultor sus diseños fueron los que realmente le abrieron las puertas en el mundo del arte y sobre todo del teatro.




 Revolucionó el panorama con sus criaturas mecánicas en la obra ‘Ballet triádico’, presentada en Stuttgart allá por 1922. Tal fue su impacto que inspiró las vestimentas excéntricas de artistas de la talla de David Bowie.

                     Vestuario para el Ballet triádico, de Oskar Schlemmer
La gran obra de Oskar Schlemmer consistía en poner sobre el escenario a tres bailarines que se multiplicaban gracias a los 18 disfraces que intercambiaban, todos ellos de formas geométricas. La coreografía consistía en realizar tan solo 12 movimientos distintos siguiendo el ritmo de la música de Paul Hindemith.
Su gran aportación al arte del momento fue romper con todas las convenciones de un escenario y él mismo describía la actuación como “matemática metafísica artística” y una “fiesta en forma y color”.
En Weimar se unió a la Bauhaus  de Walter Gropius y fue creciendo hasta convertirse en director de investigación escénica y producción.
La figura humana como forma esencial era el elemento al que más hizo referencia durante toda su trayectoria artística. Schlemmer fue de los pioneros de mostrar sobre un escenario al hombre desde nuevos parámetros plásticos, dinámicos y espaciales.

La influencia de Oskar Schlemmer en David Bowie se hizo muy visible en 1974 con la llegada del personaje Ziggy Stardust. El cantante lució por entonces numerosas prendas diseñadas por Kansai Yamamoto, que estaban inspiradas en el teatro de la Bauhaus y algunos de los diseños de Schlemmer.
https://www.lavanguardia.com/cultura/20180904/451612720279/oskar-schlemmer.html

jueves, 7 de diciembre de 2017

LA INMACULADA CONCEPCIÓN Y SU ICONOGRAFÍA



INMACULADA DE ALONSO CANO

Cuando se trata de hacer un estudio iconográfico en historia del arte es importante tener un conocimiento de las fuentes que inspiraron a los artistas pero también el contexto histórico en que fueron representadas las obras.
La Inmaculada Concepción es una de las imágenes más repetidas de la iconografía popular española. El libro "Iconografía del arte cristiano", de Louis Réau, es posiblemente el mejor documento escrito sobre la iconografía de la Inmaculada.
Y como mañana es la Inmaculada y yo aformtunadamente tengo especialpredilección por este tema, me encantaria que todas mis amigas que se llaman Inmaculada se sientan homenajeadas con este trabajo y en especial una que es la HERMANA MARIA INMACULADA. Se que lo va a leer con ese cariño que siempre me demuestra pero se también que lo va a analizar con mucho interés.
ANÁLISIS
Este dogma católico estaba siendo cuestionado por los protestantes en el siglo XVII por lo que en España, como católica , se puso de moda la imagen de la Inmaculada Concepción.
La proliferación de imágenes de la Inmaculada en el arte Barroco español fue un hecho que se puede apreciar en todas las iglesias de predicación y, como no, en los museos.
La iconografía de la Inmaculada fue dictada por Francisco Pacheco, representándola a una edad juvenil.
Las fuentes de esta representación son el Cantar de los Cantares y el Apocalipsis.
En primer lugar, la Inmaculada está identificada como la novia del Cantar de los Cantares.
Las metáforas bíblicas, popularizadas por las Letanías de la Virgen de Loreto, aparecen a su alrededor: el sol, la luna, la estrella del mar, el jardín cerrado, la fuente, el pozo de agua viva, el cedro del Líbano, el olivo, el lirio, la rosa, el espejo sin mancha, la Torre de David, la Ciudad de Dios, la puerta del cielo.

INMACULADA DE ZURBARÁN

Los otros atributos de la Inmaculada están tomados del Apocalipsis (cap. 12). La luna, que nunca se representa llena, como en la Crucifixión, sino recortada en forma de creciente, evocaba la castidad de Diana.
Debo señalar que algunos historiadores del arte opinan que después de la victoria de Lepanto, los cristianos quisieron interpretar el creciente de luna bajo los pies de la Virgen como un símbolo de la victoria de la cruz sobre la media luna turca.(interpretación,en mi opinión, bastante cuestionable)

La leyenda Tota pulchra, que remite directamente a los versos del Cantar de los Cantares (Tota pulchra es amica mea, et macula non est in te, Toda eres hermosa, amiga mía; no hay tacha en ti), se interpreta como la autoría de Dios en la creación de María: mientras que los pintores firman sus obras faciebat (usando el imperfecto, puesto que son verdaderamente obras imperfectas), Dios, por el contrario, firma con las palabras Tota pulchra, ya que lo que sale de su mano es perfecto.

Se representa siempre vestida con túnica blanca y manto azul, símbolos de pureza y eternidad respectivamente, coronada con doce estrellas, la media luna y una serpiente a los pies simbolizando su dominio sobre el pecado.

La forma definitiva de la Inmaculada, que va a dominar a lo largo del siglo XVII, será la resultante de la conjunción del motivo Tota pulchra con el de la mujer vestida de sol del Apocalipsis.

El arte barroco del siglo XVII, por tanto, tiene el mérito de haber creado el tipo definitivo de la Inmaculada Concepción. Libre ya de todos los símbolos de las letanías, rodeada sólo por ángeles, sus pies aplastan la serpiente tentadora, para recordar su victoria sobre el pecado original.

La España mística se apoderó de este tema y le imprimió la marca de su genio. Y consiguió hacer su propia versión. Tanto es así que no puede pensarse en la Inmaculada Concepción sin evocar las obras de Zurbarán, Ribera o Murillo.
La Inmaculada Concepción de Zurbarán sigue las normas iconográficas dictadas por Pacheco.



INMACULADA DE ZURBARÁN
Zurbarán muestra una imagen con un fuerte realismo al ofrecernos un rostro cercano al espectador, alejado de idealizaciones.

La luz apenas crea contrastes lumínicos incidiendo en el manto de María para destacar sus pliegues. La luz dorada a su alrededor sugiere una visión sobrenatural, como si fuese el efecto de un teatro ya utilizado en la Visión de San Pedro Nolasco.



INMACULADA DE MURILLO


Debo hacer una especial mención a la Inmaculada que pintó Juan Bautista Tiépolo (1767-69) para la iglesia de San Pascual en Aranjuez, figura en la selección de quince obras maestras que el Prado propone a sus visitantes. Fue un encargo de la Casa Real, destinado como he dicho antes a la Iglesia de San Pascual de Aranjuez.


sábado, 2 de diciembre de 2017

LA PINTURA GÓTICA

Dejo las características de la pintura gótica para que sirva de motor al desarrollo de este tema tan importante en esta evaluación

Este es el retablo de la Virgen de Tortosa de Pere Serra.


Al pasar de la arquitectura románica a la gótica hay una progresiva reducción de los muros y una espectacular sustitución de estos por vidrieras,lo que supone la búsqueda de otros soportes, desarrollándose la pintura sobre la tabla, aunque aun quedan algunos rincones y espacios reservados para los frescos e incluso capillas enteras donde la decoración es básicamente de pintura al fresco.


En pintura gótica es difícil hablar de características generales, se suele analizar las diversas escuelas y tendencias, pero podemos señalar las siguientes características:

- Las técnicas empleadas son : temple y óleo, en pintura sobre tabla, y el fresco en las pinturas murales.

- El dibujo tiene mucha importancia: delimita formas, marca modelados, crea ritmos compositivos..

- Importancia del modelado, desde tonos planos al juego de contraluces para dar volumen a las figuras

- La luz contribuye a destacar el volumen, pero en general no es una luz real y puede tener contenido simbólico



- El color es un elemento clave, se utiliza en gamas ternarias, con frecuencia es un colorido irreal lleno de contenido simbólico

- El interés por la perspectiva también evoluciona, aparece la preocupación por el espacio pictórico a partir del siglo XIV, con los pintores italianos y el gótico internacional

- La composición tiene muy en cuenta el eje de simetría, con los elementos orientados hacia el centro teórico del cuadro.

- Las formas de expresión reflejan un nuevo ideal estético hacia un naturalismo idealizado individual y expresivo, al igual que en la escultura.

Patética expresión de dolor en uno de los ángeles del Llanto sobre el cuerpo de Cristo, pintura mural realizada por Giotto (h. 1266-1337) en la Capilla de los Scrovegni de Padua.

- La temática religiosa, y en menor escala también la profana


Pere Serra. Retablo de Todos los Santos, en el monasterio de Sant Cugat, 1375. En la imagen detalle del retablo de Todos los Santos del monasterio de Sant Cugat


- Tiene un carácter narrativo y finalidad didáctica y devocional



Maestro del Jardín del Paraíso, escena; «María en el jardín con santos», Instituto Städel, Fráncfort del Meno, h. 1410



La evolución de la pintura gótica se realiza en cuatro etapas que reflejan la evolución y la personalidad de los artistas:

1. Estilo franco gótico (mediados del siglo XII hasta mediados del siglo XIV)
2. Estilo italo-gótico (segunda mitad del siglo XIV) destacan: La escuela de Siena y La escuela de Florencia



3. El estilo internacional (finales del siglo XIV y primera mitad del siglo XV)



4. La escuela de los Primitivos Flamencos (siglo XV y principios del siglo XVI)



Esta última etapa nos interesa, para poder hacer así un análisis exhaustivo del “Matrimonio Arnolfini” y de otras obras importantes,como el poliptico de san Bavón de Gante y el descendimiento de Van der Weyden que realizarán los alumnos en sus blogs


En el siglo XV, algunas ciudades de Flandes se convierten en sedes de una importante escuela pictórica, que para muchos autores supone ya los inicios del Renacimiento. Tiene sus orígenes en el gótico internacional y su mayor aportación al arte europeo será su progresiva captación de la realidad, que se inspira en la escultura y que se verá favorecida pro la nueva clientela: la burguesía. Las características del estilo flamenco son:

- Innovación técnica. El trabajo de pintura al óleo que permite realizar superficies muy lisas y los cuadros ganan en color, luz y juegos de trasparencias, además de un trabajo lento que da lugar al virtuosismo.


                            Roger van der Weyden; Descendimiento, h. 1443, Museo del Prado, Madrid.
-

 Desarrollo de la pintura sobre tabla

- Minuciosidad y gusto por el detalle. Las obras se conciben para ser contempladas de cerca, y por eso se recrean detalles.

- Introducción del retrato a través de la imagen del donante

- Valoración de la luz

- Interés por la reproducción de los objetos de la vida cotidiana, como las escenas burguesas en interiores, con muebles, cuadros y diversos objetos.

- Amor al paisaje, que se aprecia en las luces del horizonte o en los brillos de las aguas.

- Naturalismo y realismo. Un enfoque cercano lleva a los pintores a una representación veraz de la realidad, captando todos los detalles.

- Creación de un espacio pictórico, como consecuencia del realismo y el naturalismo con que se realizan las obras



Una primera generación de pintores, está compuesta por los hermanos Jan y Humberto Van Eyck, Roger Van Der Wyden, Campin y Patinir. En la segunda generación de pintores flamencos, que se extiende a lo largo de la segunda mitad del siglo XV y principios del siglo XVI, destacan pintores como: Memling, Gerad David, y El Bosco.

Autor: Bosco (El)
Museo: Madrid, Museo del Prado
Caract: Óleo sobre tabla, 135 x 100
Estilo: Gótico

En España, la influencia flamenca destaca en los catalanes: Luis Dalmau y Jaume Huguet; en Castilla sobresale Bartolomé Bermejo, Jorge Inglés y Fernando Gallego.

domingo, 1 de octubre de 2017

La escultura griega (primera parte)


La escultura griega :

 El hombre será el centro de la escultura griegabelleza, expresión y movimiento definen los rasgos capitales de la escultura griega, aunque en este sentido se producirá una clara evolución a lo largo del tiempo hasta alcanzar la perfección 

Voy a empezar con un texto que nos ayudará a entender mejor el significado de la escultura griega
"El origen de la escultura en Grecia está unido a un personaje legendario, "Dédalo", al que se le considera padre de las artes. "Es un ateniense, perteneciente a la familia real, que tiene su origen en Cécrope, prototipo del artista universal, arquitecto, escultor y pintor e inventor de recursos mecánicos. Se le atribuyen en la antigüedad las obras de arte arcáicas (...).
Así, se le atribuyen obras como la Dama de Auxerre, a la que se le califica de estilo Dedálico y que será el punto de arranque en el estudio de las Korai.
Ved aquí la verdad: Los escultores e imagineros de la época ejecutan los pies y las manos de manera simétrica y unidos al cuerpo. Sin embargo, Dédalo fue el primero que realizó una estatua con un pie en actitud de avanzar. Por esto la gente solía decir: "Dédalo no sólo ha conseguido que la estatua se aguante de pie, sino también que camine..."
En VVAA: Fuentes y documentos para la Historia del Arte. Gustavo Gili. Barcelona 1982. Págs 273-274. 










SOBRE EL "CANON"
"La belleza reside, no en la proporción de los elementos constituyentes, sino en la proporcionalidad de las partes, como entre un dedo y otro dedo, y entre todos los dedos y el metacarpo, entre el carpo y el antebrazo y entre el antebrazo y cl brazo, en realidad entre todas las partes entre si, como está escrito en cl Canon de Polícleto. Para enseñarnos en un tratado toda la proporción del cuerpo, Polícleto apoyó su teoría en una obra, haciendo la estatua de un hombre de acuerdo con los principios de su tratado y llamó a la estatua, como al tratado, Canon.
No por casualidad, uno de los maestros griegos de la época, el escultor Polícleto, se ganará el título de «grande» de sus contemporáneos más por el canon —el sistema de relaciones matemáticas establecido entre todas las partes del cuerpo— que por sus también notables obras escultóricas. Reaparece aquí, como en la arquitectura la tendencia helena a instituir una regla y después buscar las perfectas proporciones dentro de esta regla; así como el concepto de que un todo perfecto es la suma perfecta de partes perfectas.
Es necesario —afirma Polícleto— que la cabeza sea la séptima parte de la altura total de la figura, el pie dos veces la longitud de la palma de la mano mientras la pierna, desde el pie a la rodilla, deberá medir seis palmos, y la misma medida habrá también entre la rodilla y el centro del abdomen Para demostrar la exactitud de su canon esculpió una estatua que nos ha llegado en numerosas copias romanas: el Doríforo —es decir, el portador de lanza—, un joven, una vez más, completamente desnudo, que lleva con desenvoltura una ligera lanza en la mano."Galeno, De temperamentis (siglo II d.C.).




PASAMOS A CONCRETAR CON LAS CARACTERÍSTICAS GENERALES

ESCULTURA GRIEGA: CARACTERÍSTICAS Y ETAPA ARCAICA (S. VII-V a. Cto.)

La escultura griega recibe influencias de la escultura cretense y micénica, de Egipto y
 de las culturas de Próximo Oriente. Influirá: en Etruria.

- Es importante tanto el relieve como la escultura exenta.

- Evoluciona desde esquemas geométricos(EN LA ÉPOCA ARCAICA)

 hacia un realismo matizado.

- Utilizan piedra y mármol, y suelen policromar las esculturas con colores vivos.

 Heredan de época geométrica la utilización de la madera.

- Ya en época preclásica comienzan a utilizar el bronce.

ETAPAS Y CRONOLOGÍA
CRONOLOGÍAPERIODOAUTOROBRA
VII – VI a.C.Edad Arcaica
Kóuros Anavissos
Koré del Peplo
Siglo V a.C.ClasicismoMirón
Policleto
Fidias
Discóbolo
Doríforo

Procesión de las Panateneas

Siglo IV a.C.ClasicismoLisipio
Praxíteles
Praxíteles
Scopas
Apoxiomeno
Hermes con el niño Dionisio
Afrodita de Cnido
Ménade
Siglos III-II a.C.HelenismoAgesandroLaocoonte y sus hijos
Venus de Milo
Victoria de Samotracia
El Galo moribundo
En este post analizaremos la escultura arcaica

ESCULTURA ARCAICA GRIEGA


- La figura del hombre aparece en la mayoría de los casos desnuda.

 La mujer aparece cubierta por el Peplo, 
que era la vestimenta típica femenina. Lo que demuestra un mayor interés
 por el estudio de la anatomía masculina.

- La escultura de esta época era frontal, rígida, hierática.

 Normalmente aparecen de pie, con una pierna adelantada
 y los brazos en paralelo al cuerpo o en actitud oferente.
 Marcan mucho los ojos y tienen una misteriosa sonrisa 
que más tarde influirá en el arte Etrusco.

- Las figuras femeninas reciben el nombre de KORÉ o KORAY, 

y las figuras masculinas
 el de KOUROS o KUROY,
 y aparecen a partir del siglo VI a. Cto.

EJEMPLOS:


"La dama de Auxerre" (Museo del Louvre de París, c. 630-600 a. C.): 

Rígida, hierática, 
sigue la ley de la frontalidad únicamente rota por la mano.
 Ojos almendrados,
 frente saliente,
 pelo con tirabuzones siguiendo la moda marcada por Creta. 
Hombros anchos y cintura muy marcada, 
también de influencia cretense. 
Las manos y los pies son desproporcionados.



"La Hera de Samos"

 (Museo del Louvre de París, c. 575-550 a. C.) 
Estatua procedente de Samos 
dedicada por Ceramies. 
Más evolucionada que la anterior, 
apareció sin cabeza
 y su peplo está más trabajado.



“La Koré del Peplo" (Museo de la Acrópolis de Atenas, 530-520 a. C.) 

Como la mayoría de las Koré
 aparece oferente. 
Trabajo evolucionado del cabello,
 un brazo va paralelo al cuerpo 
y con el otro extiende 
la ofrenda. 


KOUROS DE ANAVISSOS 
(SE COMENTARÁ EN EL BLOG DE UNA COMPAÑERA) 
(Museo Nacional de Atenas,
 540-515 a. C.) Es un Kouros desnudo, 
con los brazos en paralelo al cuerpo. 
Tiene cierta conexión con la escultura egipcia
 por la postura hierática,
 el pie adelantado... 
Hay mucha idealización
 y marca mucho las distintas partes del cuerpo.



"Frontón del Templo de Artemisa" (corfú). Gorgona

 del frontón del templo arcaico en Corcira (Corfú), 
c. 600-580 a. C.



"La esfinge alada" del siglo VII o VI a. Cto.

 Influencia oriental,
 estaba situada en el frontón del "Templo de Artemisa" en Korfú.



"La Malcarada" (Museo de la Acrópolis, Atenas) del siglo VI a. Cto.

 Se acerca mucho a lo que será el tratamiento clásico. 
Los ojos no son tan almendrados y la boca sobresale más.



"El efebo rubio" (Museo de la Acrópolis de Atenas, c. 490-480 a. C.)

 Evoluciona en el tratamiento del rostro. 
Su cabello es más naturalista, 
pero aún no es perfecto.



“El Moscóforo” (Museo de la Acrópolis de Atenas, 575-550 a. C.)

 o "portador del ternero".
 Representa a un personaje llamado Rombo en actitud de llevar
 en ofrenda el animal a Atenea.




“El Jinete Rampín”, (575-550 a. C.,

 Museo del Louvre de Paris (cabeza) 
y Museo de la Acrópolis de Atenas
 (tronco)). 





“Critios joven” (Museo Nacional de Atenas, 490-480 a. C.)