color y forma 2 ( AULA DE ARTE)

CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA GÓTICA, Y LA ESCUELA DE LOS PRIMITIVOS FLAMENCOS.

2012-01-28T08:16:00.000-08:00

Llegamos al arte gótico y nos detendremos en la pintura.
Los alumnos de Historia del Arte publicarán sus trabajos en sus blogs y dejarán sus comentarios sobre este estilo en sus diferentes etapas.
Yo dejo las características para que sirva de motor al desarrollo de sus trabajos.

Este es el retablo de la Virgen de Tortosa de Pere Serra.

Al pasar de la arquitectura románica a la gótica hay una progresiva reducción de los muros y una espectacular sustitución de estos por vidrieras,lo que supone la búsqueda de otros soportes, desarrollándose la pintura sobre la tabla, aunque aun quedan algunos rincones y espacios reservados para los frescos e incluso capillas enteras donde la decoración es básicamente de pintura al fresco.

En pintura gótica es difícil hablar de características generales, se suele analizar las diversas escuelas y tendencias, pero podemos señalar las siguientes características:

- Las técnicas empleadas son : temple y óleo, en pintura sobre tabla, y el fresco en las pinturas murales.

- El dibujo tiene mucha importancia: delimita formas, marca modelados, crea ritmos compositivos..

- Importancia del modelado, desde tonos planos al juego de contraluces para dar volumen a las figuras

- La luz contribuye a destacar el volumen, pero en general no es una luz real y puede tener contenido simbólico

- El color es un elemento clave, se utiliza en gamas ternarias, con frecuencia es un colorido irreal lleno de contenido simbólico

- El interés por la perspectiva también evoluciona, aparece la preocupación por el espacio pictórico a partir del siglo XIV, con los pintores italianos y el gótico internacional

- La composición tiene muy en cuenta el eje de simetría, con los elementos orientados hacia el centro teórico del cuadro.

- Las formas de expresión reflejan un nuevo ideal estético hacia un naturalismo idealizado individual y expresivo, al igual que en la escultura.

Patética expresión de dolor en uno de los ángeles del Llanto sobre el cuerpo de Cristo, pintura mural realizada por Giotto (h. 1266-1337) en la Capilla de los Scrovegni de Padua.

- La temática religiosa, y en menor escala también la profana

Pere Serra. Retablo de Todos los Santos, en el monasterio de Sant Cugat, 1375. En la imagen detalle del retablo de Todos los Santos del monasterio de Sant Cugat

- Tiene un carácter narrativo y finalidad didáctica y devocional

Maestro del Jardín del Paraíso, escena; «María en el jardín con santos», Instituto Städel, Fráncfort del Meno, h. 1410

La evolución de la pintura gótica se realiza en cuatro etapas que reflejan la evolución y la personalidad de los artistas:

1. Estilo franco gótico (mediados del siglo XII hasta mediados del siglo XIV)
2. Estilo italo-gótico (segunda mitad del siglo XIV) destacan: La escuela de Siena y La escuela de Florencia

3. El estilo internacional (finales del siglo XIV y primera mitad del siglo XV)

4. La escuela de los Primitivos Flamencos (siglo XV y principios del siglo XVI)

Esta última etapa nos interesa, para poder hacer así un análisis exhaustivo del “Matrimonio Arnolfini” y de otras obras importantes,como el poliptico de san Bavón de Gante y el descendimiento de Van der Weyden que realizarán los alumnos en sus blogs

En el siglo XV, algunas ciudades de Flandes se convierten en sedes de una importante escuela pictórica, que para muchos autores supone ya los inicios del Renacimiento. Tiene sus orígenes en el gótico internacional y su mayor aportación al arte europeo será su progresiva captación de la realidad, que se inspira en la escultura y que se verá favorecida pro la nueva clientela: la burguesía. Las características del estilo flamenco son:

- Innovación técnica. El trabajo de pintura al óleo que permite realizar superficies muy lisas y los cuadros ganan en color, luz y juegos de trasparencias, además de un trabajo lento que da lugar al virtuosismo.

Roger van der Weyden; Descendimiento, h. 1443, Museo del Prado, Madrid.

- Desarrollo de la pintura sobre tabla

- Minuciosidad y gusto por el detalle. Las obras se conciben para ser contempladas de cerca, y por eso se recrean detalles.

- Introducción del retrato a través de la imagen del donante

- Valoración de la luz

- Interés por la reproducción de los objetos de la vida cotidiana, como las escenas burguesas en interiores, con muebles, cuadros y diversos objetos.

- Amor al paisaje, que se aprecia en las luces del horizonte o en los brillos de las aguas.

- Naturalismo y realismo. Un enfoque cercano lleva a los pintores a una representación veraz de la realidad, captando todos los detalles.

- Creación de un espacio pictórico, como consecuencia del realismo y el naturalismo con que se realizan las obras

Una primera generación de pintores, está compuesta por los hermanos Jan y Humberto Van Eyck, Roger Van Der Wyden, Campin y Patinir. En la segunda generación de pintores flamencos, que se extiende a lo largo de la segunda mitad del siglo XV y principios del siglo XVI, destacan pintores como: Memling, Gerad David, y El Bosco.

Autor: Bosco (El)
Museo: Madrid, Museo del Prado
Caract: Óleo sobre tabla, 135 x 100
Estilo: Gótico

En España, la influencia flamenca destaca en los catalanes: Luis Dalmau y Jaume Huguet; en Castilla sobresale Bartolomé Bermejo, Jorge Inglés y Fernando Gallego.

Los Reyes Magos

2012-01-04T02:17:00.000-08:00

LOS REYES MAGOS y JUAN DE HILDESHEIM
La historia de Los Reyes Magos fue redactada por un monje carmelita, muy culto, que había viajado por Europa y que entre 1342 y 1352, en los años del pontificado de Clemente VI, estaba en Avignon y también impartió clases de Sagrada Escritura en la Facultad Teológica de París.
Este monje se llamaba JUAN DE HILDESHEIM y durante los últimos años de su vida se ocupó de juntar todos los documentos, leyendas e historias sobre Los Reyes Magos que había ido recopilando anteriormente y dio vida a una narración excepcional.
El Libro de Los Reyes Magos de Juan de Hildesheim es una lectura fascinante y es un hecho que se podría ilustrar con una gran cantidad de imágenes…pero eso sí, nos permite, con cualquiera de las imágenes que escojamos, ver a los Reyes Magos con ”nuevos ojos” y menos “presupuestos”.
El Libro de Los Reyes Magos tiene treinta y cuatro capítulos y hace una preciosa descripción desde el origen de estos Reyes que aparecen como centinelas de la montaña de Vaus (en Oriente), donde debían vigilar la aparición de una estrella (la estrella de Jacob) que les guiaría hacia el Salvador hasta el último momento en que los cuerpos y las reliquias de estos maravillosos personajes son trasladados a la iglesia de San Pedro en Colonia.

De todos los episodios de este relato hay dos en particular (capítulos XVI y XVII) que todo el mundo cristiano conoce y de alguna forma venera. Son los que se refieren a la alegoría de los dones de los Tres Reyes Magos (XVI) y a su llegada a Belén para presentar sus dones a Cristo (XVI).
En el capítulo XVI dice Fulgencio…EL INCIENSO hace referencia al sacrificio, EL ORO al tributo y LA MIRRA a la sepultura de los muertos: y la fe jamás dejará de presentar esta triple ofrenda, mientras crea que el uno y mismo Cristo es el verdadero Dios, el verdadero Rey y el verdadero Hombre.

En el capítulo XVII cuando cuenta Juan de Hildesheim cómo llegaron los Tres Reyes a Belén y presentaron sus dones a Jesús hace una deliciosa descripción de un niño regordete de unos trece días y de María que era de buena complexión y un poco morena de cabellos y piel, que sujetaba delicadamente la cabeza del Niño con la mano derecha.
Los Reyes besaron la tierra y ofrecieron sus dones con devoción.
Melchor era el más bajo de estatura, Baltasar el mediano, Gaspar el más alto, un negro de Etiopía, y sobre esto no hay dudas. De ahí el pasaje de David : “ante Él se postraron los etíopes”.
En cuanto al color de la piel en la representación de los Reyes Magos, la explicación reside en el simbolismo que en cada época se ha concedido a los 3 magos de Oriente. Hasta casi el siglo XV se representaban "las 3 edades del hombre" para, más adelante, modificar ese significado por el de "los 3 principales continentes".

Una de las representaciones más cercanas a la realidad es la de Velázquez. Se podría considerar como un auténtico retrato de familia.

A pesar de la complejidad del tema, Velázquez nos muestra en esta obra un acontecimiento alegre que lo está esperando el pueblo. Ni siquiera los personajes de los Reyes se muestran con lujo.
Un cuadro excelente, de una sencillez admirable

LA VUELTA DE LOS REYES MAGOS A SU TIERRA.
En el capítulo XX del libro de:
LOS REYES MAGOS y JUAN DE HILDESHEIM se habla de cómo los magos emplearon dos años en volver a su patria mientras Herodes los perseguía, y de cómo Herodes hundió las naves en Tarso, y de por qué se llaman magos…
La historia de los Reyes Magos no termina cuando encuentran al Niño Jesús y completan el deber de la adoración y la ofrenda.

Sueño de los Reyes Magos en San Abundio (Como-Italia)

Sueño de los Reyes Magos del Baptisterio de Florencia

Cuando los Reyes Magos acabaron su misión fueron presa del hambre, de la sed y del sueño, como cualquier otro mortal y tuvieron que quedarse un tiempo en Belén para poder descansar y reponerse.
Cuenta Juan de Hildesheim que tuvieron que explicar a todos los habitantes de aquellas tierras por qué habían ido hasta ese lugar y porqué huían de Herodes. Eso produjo gran confusión entre los hebreos y sin embargo aumentó la fe de los gentiles.
En sueños un ángel les advirtió que no volvieran al reino de Herodes y que siguieran su camino hacia sus tierras.
Y volvieron a sus tierras todos juntos, pero ya sin la guía de la estrella, lo que les obligaba a descansar en las posadas del camino como cualquier otro mortal.
Pasaron por las mismas tierras que había atravesado Holofernes, pero a diferencia del terror que sembraba Holofernes , Los Magos por donde iban eran ayudados y obsequiados con alimentos y atenciones, lo que les facilitó la vuelta.
Volvieron al monte Vaus (dos años más tarde), hicieron construir allí una capilla en honor de Jesús y cuando dejaron todo arreglado se fueron cada unos a su tierra pero sus corazones siguieron unidos.
Cuando ya se aproximaba su muerte volvieron a juntarse en la ciudad de Seuva y allí se les apareció una estrella que les anunciaba el fin de sus días y ellos de forma tranquila celebraron solemnemente el oficio divino y se fueron durmiendo dulcemente sin dolor…primero Melchor…pocos días después Baltasar…y al sexto día Gaspar.
Y la estrella que había aparecido antes de su muerte permaneció inmóvil hasta que sus cuerpos fueron trasladados a otro lugar.

En la catedral de Colonia hay una arqueta donde se guardan los restos de los tres Magos
Y muchos son los que la visitan y veneran con devoción

Arqueta de los Reyes Magos (iglesia de San Pedro en Colonia)

La Navidad en Palermo

2011-12-24T03:50:00.000-08:00

La iconografía de la Natividad nos lleva a una de las grandes fiestas del año que culmina en el adviento ya que el nacimiento de Jesús significa la llegada del que para los cristianos sería El Salvador del mundo.
La fecha real de su nacimiento ha sido discutida por muchos eruditos y algunos de ellos incluso se han atrevido a fijarla en un año determinado, lo que queda claro es que (a pesar de las diversas opiniones), Jesús vino al mundo a traer la paz temporal y eterna y eligió, para nacer, una época de sosiego político y social.

El hecho de situarla el 25 de diciembre se relaciona con el sincretismo que habitualmente se produce en estos casos y el intento de situar los eventos significativos en fechas ya tradicionalmente utilizadas por culturas anteriores como el solsticio de invierno que es una de esas fechas de gran influencia en la humanidad.
en el evangelio de San Lucas se habla de hechos relacionados con el nacimiento y la infancia de Cristo; sin embargo encontramos más relatos sobre la Natividad en textos considerados apócrifos.Los más interesantes son: El Protoevangelio de Santiago, el Evangelio del Pseudo Mateo, el Libro de la infancia del Salvador y el Evangelio árabe de la infancia… textos en los que se inspiraron muchos de los artistas que acometieron la representación de la Natividad.
Los iconos bizantinos siguen un esquema de la representación del Nacimiento de Jesús, según la Iglesia Ortodoxa, reuniendo en un mismo icono narraciones del Evangelio y de los Apócrifos, como el ejemplo que he elegido de la Natividad de Palermo.

Frente a la iglesia de San Cataldo, en Piazza Bellini, La Martorana de Palermo es una de las más bellas edificaciones del arte normando del siglo XII en Italia.También se conoce como la iglesia de Santa Maria de Matorana

Fue fundada por el almirante Jorge de Antioquia en 1143,almirante de Roger II, siendo donada en ese mismo año a la orden de monjas benedictinas, creada por Eloisa Martorana.
Eloisa Martorana, una noble italiana, hizo construir un monasterio en Sicilia que tomó su nombre, en 1193. Las monjas del convento eran en su mayor parte de origen griego y se dedicaron a la elaboración de una masa de azúcar y almendras, que luego trasformaban en miniaturas que representaban frutas y animalitos. Después las pintaban con vivos colores compuestos a base de goma arábiga, pigmentos extraídos de rosas, azafrán y pistacho.

Tan famoso se hizo el mazapán y tanto trabajo daba a las monjas italianas, que en el año del Sínodo de Mazara de 1575 se prohibió, por decreto, dedicarse a tal labor, que evidentemente las distraía de las prácticas religiosas. Aún así las monjas buscaron los medios para esquivar la prohibición y seguir produciendo sus ricos mazapanes.

En el interior de la iglesia se conservan una serie de mosaicos con escenas de la vida de la Virgen, de elegante factura bizantina.

El episodio de la Natividad presenta la delicada escena de María, poniendo en el pesebre al Niño, envuelto en pañales.
Abajo, una mujer prueba la temperatura del agua para el baño del pequeño Jesús.

ICONOGRAFÍA DE LA INMACULADA

2011-12-08T02:09:00.000-08:00

INMACULADA DE ALONSO CANO

La Inmaculada Concepción es una de las imágenes más repetidas de la iconografía popular española.El libro "Iconografía del arte cristiano", de Louis Réau, sea posiblemente el mejor documento escrito sobre la iconografía de la Inmaculada.

Este dogma católico estaba siendo cuestionado por los protestantes en el siglo XVII por lo que en España, como católica , se puso de moda la imagen de la Inmaculada Concepción.
La proliferación de imágenes de la Inmaculada en el arte Barroco español fue un hecho que se puede apreciar en todas las iglesias de predicación y, como no, en los museos.
La iconografía de la Inmaculada fue dictada por Francisco Pacheco, representándola a una edad juvenil.
Las fuentes de esta representación son el Cantar de los Cantares y el Apocalipsis.
En primer lugar, la Inmaculada está identificada como la novia del Cantar de los Cantares.
Las metáforas bíblicas, popularizadas por las Letanías de la Virgen de Loreto, aparecen a su alrededor: el sol, la luna, la estrella del mar, el jardín cerrado, la fuente, el pozo de agua viva, el cedro del Líbano, el olivo, el lirio, la rosa, el espejo sin mancha, la Torre de David, la Ciudad de Dios, la puerta del cielo.

INMACULADA DE ZURBARÁN

Los otros atributos de la Inmaculada están tomados del Apocalipsis (cap. 12). La luna, que nunca se representa llena, como en la Crucifixión, sino recortada en forma de creciente, evocaba la castidad de Diana.
Debo señalar que algunos historiadores del arte opinan que después de la victoria de Lepanto, los cristianos quisieron interpretar el creciente de luna bajo los pies de la Virgen como un símbolo de la victoria de la cruz sobre la media luna turca.(interpretación,en mi opinión, bastante cuestionable)

La leyenda Tota pulchra, que remite directamente a los versos del Cantar de los Cantares (Tota pulchra es amica mea, et macula non est in te, Toda eres hermosa, amiga mía; no hay tacha en ti), se interpreta como la autoría de Dios en la creación de María: mientras que los pintores firman sus obras faciebat (usando el imperfecto, puesto que son verdaderamente obras imperfectas), Dios, por el contrario, firma con las palabras Tota pulchra, ya que lo que sale de su mano es perfecto.

Se representa siempre vestida con túnica blanca y manto azul, símbolos de pureza y eternidad respectivamente, coronada con doce estrellas, la media luna y una serpiente a los pies simbolizando su dominio sobre el pecado.

La forma definitiva de la Inmaculada, que va a dominar a lo largo del siglo XVII, será la resultante de la conjunción del motivo Tota pulchra con el de la mujer vestida de sol del Apocalipsis.

El arte barroco del siglo XVII, por tanto, tiene el mérito de haber creado el tipo definitivo de la Inmaculada Concepción. Libre ya de todos los símbolos de las letanías, rodeada sólo por ángeles, sus pies aplastan la serpiente tentadora, para recordar su victoria sobre el pecado original.

La España mística se apoderó de este tema y le imprimió la marca de su genio. Y consiguió hacer su propia versión. Tanto es así que no puede pensarse en la Inmaculada Concepción sin evocar las obras de Zurbarán, Ribera o Murillo.
La Inmaculada Concepción de Zurbarán sigue las normas iconográficas dictadas por Pacheco.

INMACULADA DE ZURBARÁN
Zurbarán muestra una imagen con un fuerte realismo al ofrecernos un rostro cercano al espectador, alejado de idealizaciones.

La luz apenas crea contrastes lumínicos incidiendo en el manto de María para destacar sus pliegues. La luz dorada a su alrededor sugiere una visión sobrenatural, como si fuese el efecto de un teatro ya utilizado en la Visión de San Pedro Nolasco.

INMACULADA DE MURILLO

Debo hacer una especial mención a la Inmaculada que pintó Juan Bautista Tiépolo (1767-69) para la iglesia de San Pascual en Aranjuez, figura en la selección de quince obras maestras que el Prado propone a sus visitantes. Fue un encargo de la Casa Real, destinado como he dicho antes a la Iglesia de San Pascual de Aranjuez.

Is Anybody Out There?

2011-09-12T10:43:00.000-07:00

¿Hay alguien ahí?

Empezamos un nuevo curso curso y mantenemos este blog COLOR Y FORMA 2 que pretende ser una vía estupenda para acceder a la Historia del Arte en 2º de Bachillerato.

Aquí encontraremos banco de recursos, zona de reflexiones y noticias, zona de ejercicios y comentarios artísticos, ventana al mundo de las web 2.0. etc.
Así empezamos en el curso 2010-2011 y vamos a continuar en esta línea en el curso 2011-2012.

Pero queremos más...

Vamos a trabajar este curso con fondo de recursos vinculados a los temas que exige la Selectividad.

Vamos a seguir trabajando con blogs de los alumnos.
Se plantearán ejercicios, casi pequeños trabajos de investigación que los alumnos que quieran subir nota habrán de desarrollar en su blog. Convertiremos a las TICs en elementos determinantes en la nota de los alumnos y de la asignatura.

Pero no olvidaremos al alumno tradicional,que guarda su estilo de apuntes a bolígrafo. Este no se verá desplazado por la técnica.

Lo importante es que todos consigamos disfrutar del Arte asomados a la ventana de este nuevo curso.

Yo pondré todo lo que sé para que todo salga bien.

Allá vamos.

Como diría Pink Floyd...

Is anybody out there?

PASEOS POR LOS JARDINES DE ARANJUEZ...otras rutas

2011-06-06T13:50:00.001-07:00

El patrimonio histórico da a la ciudad de Aranjuez una identidad cultural que a la vez es un recurso con la suficiente capacidad para motivar a los alumnos y profesores en el conjunto de actividades de Historia, Cultura clásica y Música.

El ser, Aranjuez, Paisaje Cultural, patrimonio de la Humanidad, exige un tratamiento especial por parte de sus habitantes y en especial de los jóvenes que viven en él.
Nuestro colegio lleva admitiendo este compromiso mucho tiempo, y en especial estos cuatro últimos años ha recreado el interés, ofreciendo a los habitantes de Aranjuez, en primavera unos paseos didácticos que ilustran la historia, la mitología y la música en nuestros jardines.

PASEOS POR LOS JARDINES DE ARANJUEZ...otras rutas

Este curso, 2010-2011, especialmente se han identificado estos paseos con un gran trabajo llamado Ruta de las Tres Culturas `por el que El Colegio Apóstol Santiago recibió el Primer Premio en la XXIV edición del concurso patrocinado por el Corte Inglés “ Investiga a través del entorno y expónlo” con el proyecto RUTA DE LAS TRES CULTURAS, CRISTIANOS, JUDÍOS Y MUSULMANES, UNA CONVIVENCIA POSIBLE. Y con estos paseos completamos una vez más, nuestra intención de divulgar la historia de Aranjuez.

Los paseos llamados históricos guardan un rigor cronológico desde el jardín “cerrado” de Felipe II, síntesis de la herencia mudéjar y de las influencias renacentistas italianas, muy usual en los Palacios Reales de los Austrias, pasando por los jardines y fuentes de la época de los reyes Felipe III y FelipeIV donde el jardín se dispone a lo largo de un eje longitudinal en el que se van alternando diversas plazas: Hércules, Vertumno, Las Arpías, Baco…todas ordenadas y rodeadas de jardines compuestos por setos de boj.

Y terminar con el jardín barroco, llamado parterre, que Felipe V decidió crear delante de la fachada oriental del Palacio Real de Aranjuez.

Otro año más la participación ha sido excelente tanto por alumnos como por acompañantes. Y esto hace de los paseos un patrimonio cultural con el que el Colegio Apóstol Santiago se siente identificado.

El arte nazarí en Granada

2011-04-11T09:56:00.000-07:00

Cuando ya vamos rematando el curso y han pasado por nuestros ojos muchos estilos artísticos, los alumnos de 2º de bachillerato y yo queremos rendir a la Alhambra lo que se merece: un estudio un poco más detallado de algunas estancias y rincones.

La ciudad de Granada fue el centro cultural y económico del reino nazarí cuando este era el último baluarte islámico en la Península.
La Alhambra constituía una auténtica ciudadela, es decir, una ciudad dentro de la ciudad de Granada.
Contaba con todos los medios necesarios para desarrollar en ella la vida cotidiana, y estaba en un lugar privilegiado, pues constituía una zona inexpugnable.
Supone además la más alta representación del arte nazarí.
El arte del reino nazarí recogió las aportaciones artísticas anteriores y las llevó a la máxima expresión decorativa.

ALICATADO

Los elementos arquitectónicos quedan limitados a las columnas que, alargando el fuste y el capitel, consiguen gran esbeltez;

COLUMNAS NAZARÍES

Prácticamente todos los demás elementos quedan camuflados tras la decoración: las bóvedas se cubren de yesos y los soportes se cubren con arcos falsos que no sustentan y solo decoran. En conjunto predomina una obsesión decorativa que se atiene a técnicas distintas, como el ataurique (decoración de yeso) y los alicatados (cerámica vidriada) y usa temas variados: vegetales, geométricos y epigráficos

LA ALHAMBRA
Está a 150 m. de altitud con respecto a la parte baja de la ciudad, y recorriendo la Sabika (la montaña de la Alhambra) de Este a Oeste.

Os pongo unos versos de un poeta musulmán que nos muestra a la sabika como una corona

La Sabika es una corona sobre la frente de Granada,
en la que querrían incrustarse los astros.
Y la Alhambra (-¡Dios vele por ella!) es un rubí en lo alto de esa corona.

Ibn Zamrak

Paseo por la Alhambra

La Alhambra tiene planta irregular por tener que adaptarse a las condiciones del terreno. Está rodeada por una muralla que es doble en algunos tramos, en ella se insertan 27 torres de muy variada forma, tamaño y función; aunque la mayoría eran defensivas, otras tenían en su interior viviendas, como por ejemplo la del Peinador de la Reina o la de las Infantas.

Al interior del recinto se accedía por cuatro puertas:
Puerta de las Armas,del Arrabal,De los Siete Suelos y de la Justicia.

La Puerta de las Armas era el acceso principal, utilizado normalmente por los ciudadanos. El nombre de la puerta le viene de que tenían que dejar las armas para acceder al interior. Presenta un arco de herradura apuntado enmarcado por un alfiz. Su planta, por ser defensiva, es en recodo.

Sin embargo, con el tiempo, la Puerta de la Justicia se convirtió en la entrada más importante a la Alhambra, y es la más monumental y mejor conservada. También tiene un arco de herradura apuntado con alfiz, y en su clave aparece una mano que al parecer simboliza los cinco preceptos del Corán. Su planta es de triple recodo, dado su carácter defensivo, y sus tres tramos se cubren con distintos tipos de bóvedas.

Dentro de esta ciudad cortesana que es la Alhambra se aprecian tres zonas claramente diferenciadas: Alcazaba, Palacios y Ciudad cortesana.

La ciudad palatina de la Alhambra albergaba seis palacios y otras dos torres-palacios, pero sólo han llegado hasta nuestros días los Palacios de Comares y de los Leones, obras de los dos grandes reyes constructores del siglo XIV: Yusuf I y Muhammad V.

EN ESTOS DÍAS MIS ALUMNOS DE HISTORIA DEL ARTE IRÁN PONIENDO EN SUS BLOGS LOS COMENTARIOS DE LOS PALACIOS NAZARÍES.
SUS ENLACES SON LOS SIGUIENTES:
Ana
Marta P
Marta U.
Edgar
Ismael
Marina
Eva
Sandra
María

Yo sólo voy a hacer una pequeña referencia

Los Palacios Nazaríes

Es la zona más conocida de la Alhambra y era la residencia oficial de los reyes de Granada. Los edificios que han llegado hasta nuestros días datan principalmente del s.XV.
Los Palacios Nazaríes son fiel reflejo de la delicadeza y refinamiento de los últimos reyes nazaríes.
La ornamentación de las paredes e interiores muestran una labor de decoración, realmente impresionante

Existen tres palacios, cada uno de distinta época.

* Palacio del Mexuar. Es el más antiguo

El Mexuar era la sala de recepción pública del castillo, dónde el Sultán y sus visires atendían a las peticiones de los súbditos. Cuando el rey no se encontraba en palacio era el Cadí, en la sala adjunta, el que oía a los negociantes.
En su puerta, un azulejo de la pared reza: «Entra y pide. No temas de pedir justicia que hallarla has».
Posteriormente, alrededor de 1632, estas salas se convirtieron en capilla cristiana, y se construyó un coro.

PALACIO DEL MEXUAR

* Palacio de Comares. El más importante. Residencia oficial del Sultán y lugar donde se encontraba la sala del trono.

PALACIO DE COMARES

TECHO DE COMARES

* Palacio de los Leones. El más moderno y considerado la cumbre del arte nazarí.
Era la residencia privada del rey.

PALACIO DE LOS LEONES

El conjunto está centrado por un gran patio -llamado de los Leones por la fuente que ocupa su centro- con planta rectangular y pórticos en sus cuatro lados.

Las galerías están formadas por numerosas columnas exentas, de mármol blanco, distribuidas de forma muy compleja, pues aparecen tanto aisladas como formando grupos, de dos, tres o cuatro. En torno a este patio se ubican cuatro importantes salas: La de los Mocárabes (Oeste), la de los Abencerrajes (Sur), la de los Reyes (Este) y la de las Dos Hermanas (Norte).

BÓVEDA DE MOCÁRABES

SALA DE LAS DOS HERMANAS

Pichad en este enlace que os hará sentir entusiasmados con La Alhambra

Ruta de la Tres Culturas. Cristianos , judíos y musulmanes; una convivencia posible

2011-02-03T08:47:00.000-08:00

Nuestra ruta por el románico hoy tiene un espacio especial.
No interrumpimos nada porque en realidad el camino que estabamos recorriendo se ha convertido en una Ruta rica y llena de convivencia.
Mi colegio está de enhorabuena porque ha sido reconocido un trabajo conjunto de todos los profesores y alumnos,que presentamos a un concuso de becas del Corte Inglés.
Eso es un lujo de verdad... poder contar con todos y poder sentir el entusiasmo y las ganas de aprender y compartir la felicidad.

El lunes 31 de enero fuimos los tres cordinadores del proyecto, Javier Echegoyen,Elena Laiglesia y yo, Pilar Álamo, con un gran apoyo de nuestros compañeros, Carmen Marqués, Margarita de la Fuente, Carmen Álvaro, Maria José Soriano, El Padre Jose Luís, y aunque no pudo estar con nosotros esa tarde, estaba presente en todas las imágenes, nuestro compañero y alma de todo el diseño, Luís Diaz de María.

Desde Aranjuez a Madrid, fue un viaje alegre pero a la vez lleno de incertidumbre, todos teníamos cierta ansiedad por saber pronto el fallo del jurado...y la alegría fue inmensa cuando , después de nombrar a todos los centros que habían recibido diversos premios nos nombraron a nosotros como ganadores del primer premio.

El proyecto ya sabíamos que era ambicioso y precioso y habíamos puesto un gran esfuerzo y trabajo para que fuera bueno de verdad.
Ante todo nuestro objetivo estaba en conseguir que con este trabajo la educación y el aprendizaje de nuestros alumnos fuera un hecho.

Nuestro proyecto pretende fomentar el conocimiento de tres culturas milenarias: judía, cristiana y musulmana través de la arquitectura, de la escultura, de la ciencia, etcétera.
Santiago de Compostela, Toledo y Granada son las tres ciudades que aportarán a nuestros trabajos y exposiciones este objetivo de encontrar la convivencia y el desarrollo de nuestra historia.

Los departamentos de Secundaria y Bachillerato colaboran en una tarea apoyados por los profesores de todo el Colegio.
Pero... serán los alumnos los verdaderos protagonistas.
Podéis participar en el blog de Karen y uniros a su viaje de nostalgia y conocimiento por nuestra tierra y la de sus antepasados,
además, este blog de arte de los alumnos de la asignatura de Historia del Arte de 2º de Bachillerato presenta sus trabajos sobre el románico y pronto pondrán sus trabajos sobre el arte musulmán

Me lo contaron y lo olvidé, lo vi y lo entendí, lo hice y lo aprendí. CONFUCIO

Introducción al estilo Románico

2010-12-30T07:10:00.000-08:00

San Martín de Elines (Cantabria)

Empezamos una Ruta muy especial del Románico donde los alumnos de Historia del Arte de 2º de Bachillerato van a realizar unos estudios detallados de algunas obras significativas de este estilo.
Yo daré una sencilla introducción para trasladar el interés hacia un tiempo y un espacio marcado por el estilo Románico y así poder entender mejor nuestra Ruta.

San Martín de Frómista

El Románico es un estilo que se desarrolla entre los siglos XI y XII en una sociedad formada por un elevado número de campesinos analfabetos, pero dispuestos a creer las verdades que la Iglesia cristiana les enseña.
Y para que puedan creer mejor las representaciones complementarán con las imágenes las enseñanzas que la Iglesia quiere difundir. Ese es el sentido último de la escultura y la pintura románicas: servir de adoctrinamiento visual, empleando la imagen al servicio de la religión.

Recorriendo Europa occidental en torno al año 1000 nos encontramos por todas partes (salvo en Al-andalus) una importante decadencia de las ciudades y lo que predominan son las pequeñas comunidades asentadas en aldeas y villas, dedicadas a las tareas agrarias y, por lo común, sometidas al poder de un noble o de un monasterio.

El comercio se ha reducido mucho y los niveles de vida y cultura son enormemente bajos.
Es aquí, en este mundo de campesinos, donde va a desarrollarse el arte románico, el primero de los denominados estilos europeos, dada la difusión que alcanzó en una gran parte del occidente continental.

Castillo de Loarre

En estas comunidades aldeanas, dejando a un lado el castillo desde el cual el noble controla su feudo, un edificio único llamará nuestra atención: la iglesia.
Es de gran tamaño, está realizada en piedra y parece hecha para durar mucho tiempo, frente a las pobres viviendas campesinas.

La construcción simboliza, por un lado, a la comunidad que la ha levantado y que en ella se reúne para celebrar la misa de los domingos; por otro, representa, sobre todo, el poder de la Iglesia (ahora con mayúscula), que se ha ido incrementando notablemente a lo largo de los seis siglos anteriores.

Otro de esta importancia del fenómeno religioso en la sociedad altomedieval europea el Monasterio.
Los Monasterios están dispersos por el territorio y organizados como auténticas células autosuficientes.

A finales del siglo XII, comprobaremos que este arte románico se ha extendido también a las ciudades, sobre todo a aquéllas que se hallan asentadas en las rutas de peregrinación. En ellas, la iglesia se ha convertido en catedral y su tamaño ha aumentado considerablemente.

En el Románico la arquitectura juega un papel fundamental, mientras que la escultura y la pintura se supeditan a ella.
El templo románico sintetiza a la perfección la mentalidad de una época y de unos hombres para quienes Dios (y, por tanto, la Iglesia cristiana, que lo representaba en la tierra) era el supremo poder, más allá de las fuerzas temporales que los nobles o los propios reyes pudiesen suponer.

En este espacio iré marcando una serie de pautas para conocer mejor nuestra ruta y los alumnos irán aportando sus trabajos que estarán dentro de ese camino.
Os invito a visitar este enlace que os puede abrir el camino hacia el más importante de los caminos EL CAMINO DE SANTIAGO

Foro romano:el corazón del Imperio

2010-11-23T12:36:00.000-08:00

El trabajo que vamos a presentar en este espacio ha sido elaborado por los alumnos de 2º de bachillerato del colegio Apóstol Santiago junto a su profesora de Historia del Arte.
A lo largo de estos días iremos publicando los trabajos con un orden cronológico.

INTRODUCCIÓN
Roma es una ciudad que no puede escapar de su pasado. Ha sido protagonista de sucesos heroicos y trascendentales para la historia de la humanidad. Y si hay un lugar en Roma en el que esto se hace más patente es en el foro.
El lugar donde se erigieron lujosos edificios en la época dorada de Roma, en el mejor momento de su Imperio, era mucho tiempo antes un lugar pantanoso, utilizado desde la prehistoria como un lugar de enterramiento.
En la historia del urbanismo, el Foro Romano ha sido un espacio muy influyente, desde el punto de vista urbano-arquitectónico y también en el social y cultural.
Hoy se utiliza la palabra foro como un sitio donde se congrega la gente y discuten asuntos de interés. El concepto urbano de Foro fue repetido en otras regiones a través del imperio y se convirtió en un símbolo de la "romanización" de las ciudades conquistadas o fundadas.
Los foros romanos se caracterizaron por la imponente construcción de templos y edificios

El primer foro que se realizó, el llamado Foro Romano, fue concluido durante la República. Adicionalmente se crearon los llamados foros imperiales, construidos hacia las colinas Capitolina (norte) y el Quirinal (noreste), que descongestionaron el Foro Romano a la vez que servían de reconocimiento para su respectivo emperador. Cada uno de estos foros era una unidad espacial independiente, y se hallan separados a pesar de ser vecinos.
El foro fue también el punto de estructuración urbana de asentamientos romanos militares o castrum, que luego influenciaría la experiencia española de fundación de ciudades durante la Reconquista y la posterior colonización americana.
Podemos considerar por lo tanto que el Foro romano es pues el antecesor de nuestras plazas.

LA REGIA

En un principio se ubicó aquí la Regia, la antigua residencia de los reyes romanos,
la DomusPublica (la casa del sumo sacerdote)
y la Curia Hostilitia para el senado.
En una esquina se hallaba la cárcel. Posteriormente se forman los tabernae, o puestos de mercado de carácter permanente, que limitan el área del espacio.
EDGAR DELGADO HA SIDO EL AUTOR DE LA INVESTIGACIÓN DE ESTE ESPACIO

La Regia era la sede del Colegio de pontífices y la residencia de los reyes de Roma. Se encontraba en el Foro Romano, orientada al norte. Era un templo antiguo donde estaban instalados los altares y relicarios de algunos dioses romanos tradicionales, considerados como fuerzas espirituales, conocidos como “numen”. En este edificio tenía el pontífice máximo su despacho y los archivos. Era lugar de trabajo pero no vivienda.

Ocupaba un área entre el Templo de Vesta, el Templo de Divus Julius y el Templo de Antonino y Faustina en el Foro Romano. Según la tradición antigua que fue construida por el segundo rey de Roma, Numa Pompilio. Varios edificios han ocupado el espacio, pero todos han tenido funciones similares.
El edificio era de la época de la Monarquía. Era la casa del rey, que era el jefe de la religión y sacerdote de Jano y que estaba situada cerca del templo de Vesta, para poderle velar y cuidar. La tradición contaba que el segundo rey Numa Pompilio fue el primero que habitó allí.
En la época de la Monarquía ya se conservaban en este edificio los documentos religiosos y jurídicos, los llamados libri pontificum y leges regiae.
La Regia fue hasta el final de la República el lugar de culto a los dioses patrios romanos. Después pasó al Palatino que se convirtió en el centro de culto de estos dioses para que estuvieran cerca del palacio de Augusto y su familia. En este edificio o santuario se conservaba en una de sus dependencias o sacraria las lanzas sagradas del dios romano Marte, por las que los romanos sentían gran veneración. Se solía premiar a los soldados más valientes y esforzados con una lanza semejante a la del dios. Se decía que las lanzas de la Regia se agitaban misteriosamente en momentos críticos para profetizar.
Dentro de la Regia estaba el sacrarium Martis, que algunos creen que era como un pequeño templo dentro del edificio, dedicado exclusivamente a Marte. Otros historiadores piensan que era un lugar recogido donde se depositaban los objetos sagrados relativos a la guerra. Cuando se declaraba una guerra, el general acudía al sacrarium para agitar la lanza, al mismo tiempo que dirigía al dios estas palabras: Mars, vigila!
Otro lugar o capilla secreta dentro de la Regia era la de la diosa Ops a la que el propio rey sabino Tito Tacio dedicó un altar. La capilla era altamente secreta y sólo podían entrar en ella las vestales y el sacerdote público.
Tenía tres habitaciones interconectadas, con entrada desde el patio a la sala central, desde donde daba una puerta de entrada a cada una de las otras habitaciones.. Una plataforma circular elevada en la sala oeste, que podría haber sido un altar a Marte. El patio irregular formado fue pavimentado en toba con un pórtico de madera a lo largo del lado Norte.

Augusto de Prima Porta

2010-10-30T11:25:00.000-07:00

Personificado como thoracatus —o jefe supremo del ejército romano estamos ante un retrato, de cuerpo entero, del emperador Octavio Augusto.

La estatua es una imagen idealizada de Augusto que se basa en el Doríforo de Policleto del siglo V a. C.
Es una figura de bulto redondo, tallada en mármol,que aún conserva restos de dorado, púrpura, azul, y otros colores con los que fue policromada.
La postura es de contrapposto, creando diagonales entre los miembros tensos y los relajados, es un rasgo típico de la escultura clásica.

Augusto aparece en pie, vestido de militar, sosteniendo un bastón de mando consular y levantando la mano derecha, mostrando la corona de laurel del triunfo a sus tropas.

La coraza tiene una serie de relieves que hacen alusión a diversos dioses romanos, entre ellos, Marte, el dios de la guerra, también personificaciones de los últimos territorios conquistados por él: Hispania, Galia, Germania, Partia (persas de la frontera del Eufrates que habían humillado a Craso, y aquí aparecen devolviendo los emblemas robados a aquellas legiones); sobre ellos, el carro del Sol, ilumina los pasos de Augusto.

El estilo de este retrato está más cerca del idealismo de la época helenística, que del realismo latino. Tiene la técnica de paños mojados, una técnica que transparenta la musculatura de Augusto.

Augusto ha sido retratado descalzo, como los antiguos héroes olímpicos, y un Cupido (que cabalga sobre un delfín) le abraza la pierna, simbolizando su inmortalidad como heredero de la diosa Venus a través de Eneas.

El retrato oficial, los emperadores romanos lo convirtieron en instrumento de propaganda gubernamental, cuya función política era muy evidente: se trataba de mostrar al pueblo romano que el emperador —Augusto, en este caso— era un ser excepcional, equiparable a los antiguos héroes mitológicos, e incluso digno de ascender a la divinidad del Olimpo.

El Emperador retratado
Augusto, fue el primer emperador de Roma (del 27 a. C., al 14 d. C.) y, además, puso fin a las guerras de conquista, comenzando un periodo de paz que, salvo guerras esporádicas, duró dos siglos (pax romana).

En la escultura, también hubo importantes cambios: si en época republicana dominaba el realismo extremo. Durante el Imperio la influencia griega se deja ver en los retratos de los emperadores, que eran idealizaciones que resumían todas las virtudes que debía tener alguien excepcional, digno de gobernar aquel imperio.

Los tipos iconográficos de Retrato Imperial serían los siguientes:

*Ésta de Augusto Prima Porta es una imagen toracata, en calidad de jefe militar supremo

* También podía ser representado como Pontifex Maximus: con un velo en la cabeza oficiando como jefe religioso o sumo sacerdote (como el retrato de Augusto del Museo de las Termas, Roma)

* Togatus: representando al emperador con toga senatorial, como jefe civil absoluto, (ej.: retrato de Augusto como Pretor, en el Museo del Louvre).

* Otros modelos eran el retrato ecuestre, del que sólo conservamos un ejemplo, el de Marco Aurelio...,

* Y el retrato Apoteósico, que representa al emperador semidesnudo, personificando a algún dios romano (el primero de la izquierda)

La estatua del emperado Augusto que se comenta fue descubierta en 1863, cuando se excavaba una villa palaciega, de los alrededores de Roma, llamada Prima Porta. Al parecer, ése fue el lugar al que se retiró Livia,tercera esposa de Augusto, al morir su esposo, el emperador, en el año 14 d.C.
La citada escultura parece ser un duplicado encargado por la propia Livia en el año 20 d.C., de un retrato de Augusto, originalmente de bronce dorado (con incrustaciones de oro y otros materiales de lujo), del año 19 a.C., que se exponía en algún lugar público de Roma, probablemente el Foro. Actualmente, esta réplica, que es el mejor retrato conocido de este emperador, se exhibe en los Museos del Vaticano, en Roma.

Livia encarna en la historia de Roma la figura de la mujer inteligente que se convirtió en eficaz colaboradora de Augusto a lo largo de sus más de cuatro décadas al frente del estado romano. Esposa primero de Tiberio Claudio Nerón, con quien tuvo a sus dos hijos Tiberio y Claudio Druso (padre del futuro emperador Claudio), se divorció de éste para casarse - embarazada del pequeño- en el año 39 a.C. con Augusto, el futuro Cesar Augusto, por entonces una estrella emergente en el gobierno de la república.
En este retrato aparece Livia como la diosa Ceres

El gato sagrado por Ana Vacas,El faraón Kefrén por Sandra Moreno y Tutankamon por Ismael Alvar

2010-10-14T10:13:00.000-07:00

Ana Vacas comenta la imagen de bronce de un animal sagrado para los egipcios: el gato.

Gato egipcio, British Museum.

En los museos se guardan gran cantidad de imágenes de bronce de seres reales, dioses y animales sagrados. Los gatos estaban considerados como animales sagrados en aquella época. Matar a un gato se castigaba con pena de muerte. Cuenta la historia que el culto al gato se inició hacia al 2900 a.C. Este gato se encuentra en el Metropolitan Museum. Y tiene una altura de 27.9 cm. Este gato está formado por dos mitades unidas por una juntura casi invisible, y contuvo un gato momificado.
En rituales realizados en su honor, gatos momificados se enterraban dentro de sus templos. Este gato de bronce no es una figura ordinaria. Su oreja derecha tuvo una vez un pendiente de oro, que está perdido, y colgado de un collar un colgante de ojo de wedjat. La postura erguida y la expresión alerta de sus ojos crean una impresión de majestad y solemnidad. Los músculos y las patas largas y elegantes transmiten sentido de un poder controlado.
Según la mitología egipcia, Ra, dios del Sol, estaba enfadado con los hombres y mando a su hija, encarnada en Sekmet, una leona al fin de castigarlos. Esta provoco una masacre y mató a cientos de Egiptos. Ra tuvo que mandar a Onuris, su guerrero. Esta se convirtió en dócil ante las artes de Onuris, y se convirtió en Bastet. Esto es lo que cuenta la leyenda, que el gato era el animal sagrado de la diosa Bastet.
Los gatos tenían, en la práctica, un status social importantísimo, por lo que su muerte se consideraba una tragedia en la familia, hasta el punto de que tenían que guardar luto y raparse las cejas en señal de luto. Después había que embalsamarlo y enterrarlos en grandes panteones.
Herodoto dedica largos párrafos a los gatos egipcios, hace hincapié en sus vicios y virtudes, y cuenta incluso que tenían una manera peculiar de hacer el amor. Esos inquietantes felinos, exquisitos y aristocráticos, que se presentan frecuentemente enjoyados con collares y pendientes de oro, llamaron también la atención de Diodoro de Sicilia que, en el siglo 1 a.C, escribió estas palabras: "A muchos les parece, con razón, muy extraño y curioso lo que es uso y costumbre en Egipto con los animales sagrados”.

Escultura del faraón Kefrén comentada por Sandra Moreno

a) Tipo de obra- Es una de las obras escultóricas mas importantes del Imperio Antiguo, por su perfección y por utilizar un material tan especial, un bloque de diorita, la piedra mas resistente del Antiguo Egipto. Realizada con bajorrelieve.

b) Titulo- El rey Kefrén con el dios Horo

c) Autor- Anónimo

d) Fecha- Imperio Antiguo. ( IV Dinastía, 2570- 2545 a.C)

e) Localización- Fue hallada por el arqueólogo francés Auguste Manette en el
Templo situado junto a la pirámide de Quefrén en Guiza.
Actualmente se encuentra en el Museo de El Cairo.

f) Estilo- Escultura del Imperio Antiguo

A. Análisis Técnico
• Forma- Es un bloque de piedra diorita policromada

• Método- Esculpida

Descripción General
El faraón, hijo y sucesor de Quéope, esta sentado en el trono, vestido con la típica faldilla plisada, llamada scendit, mientras que en su cabeza lleva el nemes, el cubrecabeza consistente en una tela plegada que cae sobre el pecho( tocado usado por los soberanos egipcios)
Detrás de la cabeza del faraón aparece con un halcón, con las alas desplegadas abraza con actitud protectora la cabeza de Kefren.
Se trata de una imagen de Horo, el dios halcón que protege al faraón, su único representante en la tierra.
También la imagen del dios Horo nos muestra la estrecha relación entre el dios y el rey.
El rey aparece sobre un trono de forma cúbica, bastante trabajado y lleno de simbolismo: el trono esta sostenido por dos leones cuyas garras son la representación máxima del poder, loas plantas de papiro, y las flores de loto representan la unión de las dos tierras.
La razón de la imagen era legitimar y demostrar la máxima expresión del poder y más aún si esta bajo la protección del Dios Horus.
Ambos están mirando a la misma dirección y están a la misma altura, lo cual nos lleva a pensar que los dos son la misma deidad.
El soberano, esta representado con una perfección idealizada y en una actitud extremadamente hierática, expresa muy bien el concepto de la divinidad real.

El aspecto del faraón es solemne y los rasgos del rostro están idealizados, ya que se consideraba que una imagen sagrada estaba fuera de las leyes del tiempo.
El faraón también aparece con la barba postiza, que se sujetaba alrededor de las orejas y era colocada en la barbilla de la divinidad.
Sus brazos están pegados al cuerpo y sus manos descansan sobre sus rodillas, mientras mantiene la cabeza erguida y mira al infinito.
En la basa de la figura aparecen mensajes escritos en jeroglífico con los que se identificaba al representado.
La escultura esta realizada a tamaño natural (1, 68cm)
Es de carácter funerario y tiene un carácter divino.

Y con el comentario de Isamel Alvar terminamos el ciclo de obras del arte egipcio.
Seguro que ha sido interesante y sobre todo divulgativo.

a) TIPO DE OBRA: Escultura Funeraria

b) TÍTULO: Máscara funeraria de Tutankamon

c) AUTOR: Anónimo

d) FECHA: hacia 1354-1340 a. C.

e) LOCALIZACIÓN: Museo Egipcio. El Cairo (Egipto).Procede de la necrópolis egipcia del Valle De Los Reyes

f) ESTILO: escultura del Imperio Antiguo egipcio.

Análisis Técnico
FORMA: Se trata de una escultura funeraria en forma de máscsara del Faraón Tutankamon. Está hecha de oro, obsidiana, turquesa, vidrio,lapislázuli,cuarzo y cornalina. Fue realizada en oro por que el oro representaba la carne de los dioses. Mide 54 centímetros de altura y tiene un peso de 11 kilogramos
DESCRIPCIÓN GENERAL:
Ésta escultura que vemos en la imagen superior se trata de una máscara del Faraón Tutankamon se encuentra incrustada en el rostro de la momia del Faraón a modo de protección.
Ésta escultura fue hallada en la tumba del faraón en 1922 por el británico Howard Carter , constituyendo uno de los descubrimientos arqueológicos con más publicidad de la historia de la egiptología, debido a la gran riqueza arqueológica encontrada.Apuntando a la idea anterior la máscara fue realizada a imagen y semejanza del joven faraón Tutankamon. Se trata de una plancha de oro de 22 kilates con incrustaciones de pidras semipreciosas. Para esta ocasión se eligió el oro porque afirmaban que el oro era la carne de los dioses.

FIGURAS ALADAS DE NEKHBET Y BUTO: El Buitre Nekhbet representaba al Reino del Alto Egipto y la Serpiernte Buto al Reino del Bajo Egipto, eran pues unas deidades protectoras, un signo más de la dignidad real; aparecen juntos, esto evidenciaba que el jóven faraón fue soberano sobre estos dos reinos.
Son inscrustaciones bellas, macizas y superpuestas a la máscara.
Estos adornos eran de oro, con incrustaciones de piedras semipreciosas. La Serpiente Buto, posee distintos tipos de piedras y es mucho más detallada que el buitre Nekhbet, se aprecian colores como el azul, rojo y los ojos muy diminutos, esta es una cobra real egipcia y aparece con un serpenteado cuerpo completo de oro absoluto, detalle que se aprecia sobre el Klaft de la Máscara funeraria

EL KLAFT: Este tocado de rayas, se colocaba sobre la cabeza, asemeja una especie de melena de león. Bellamente elaborado y con incrustaciones de lapislázuli, que en determinadas ocasiones y de acuerdo al ángulo con que se observa la máscara, este llega a verse una mitad de color negra y la otra azul, la terminación del Klaft, hace la forma de la cola de un animal y en el que lamentablemente las incrustaciones ya han desaparecido.
De la Máscara Funeraria de TUTANKHAMON, lo que más se ha deteriorado es el Klaft, producto del resquebrajamiento de las incrustaciones que este posee. Este elemento decorativo de los antiguos egipcios, pasó a ser un tocado indispensable para la vestimenta real. Los faraones acostumbraban llevarlo y se conoce que el primero en portar el Klaft fue Zoser, primer Faraón de la Tercera Dinastía, con la que comenzó el llamado (Imperio Antiguo)
LA BARBA POSTIZA: La realeza egipcia incluía entre sus vestimentas y maquillajes, ornamentos que a su vez eran signo de la dignidad real. La barba postiza (Barba de Osiris), era uno de esos elementos destinados al uso de la máxima autoridad de Egipto, el Faraón. Esta barba está hecha en oro y con incrustaciones de piedras vítreas azules. Vista de perfil, se observa el grado de inclinación que la misma lleva.
EL COLLAR: Este es otro elemento, que los privilegiados antiguos egipcios, acostumbraban llevar para enriquecer su vestuario y decorar los hombros y pecho

El Busto de Nefertiti por Marina PÉREZ y El Príncipe Ranotep y su Esposa Nofret por María Espada

2010-10-13T12:53:00.001-07:00

La obra que se comenta a continuación ha sido trabajada por Marina Pérez

El Busto de Nefertiti

Tipo de obra: escultura exenta, también se le puede llamar escultura libre, es la que no tiene ningún contacto con ningún muro, puede verse desde cualquier ángulo, es independiente de cualquier superficie.

Título: El Busto de Nefertiti.

Autor: Tutmose, escultor real del faraón Ajenatón.

Fecha: comienzos 1370 a. C. Hasta comienzos 1330 a. C.

Localización: fue encontrado en Tell el Amarna, la antigua Akhetaton, permanece en el Museo de Berlín desde entonces.

Estilo: escultura del Antiguo Egipto.

ANÁLISIS TÉCNICO:

Forma: está tallada en piedra dura, policromada.

Método: tallado y pulimentado.

Descripción general:
Presenta un grado de perfección. La piel del rostro está pintada en un rojo claro, bronceado, a diferencia del rostro femenino que en el Antiguo Egipto se representaba en tonos amarillos.

Tiene un perfil suave, con una nariz recta y pequeña. Los ojos son almendrados, pintados con el Kohl negro.

Si nos fijamos, podemos contemplar que sólo tiene una de las pupilas, le falta la pupila del ojo izquierdo y también pequeños fragmentos de los lóbulos de las orejas. Éstos fueron encontrados, en cambio la pupila no. Posteriormente se comprobaría que nunca había sido insertada en la cavidad ocular.
Los labios también llaman la atención, ya que son carnosos y están bien delimitados y esbozan una ligera sonrisa, la cual guarda grandes secretos, ha sido considerada la Mona Lisa de Amarna. Están pintados en color rojizo.

Tiene el cuello muy estilizado y los hombros aparecen cortados.

Sigue la altura del canon de los 18 puños, la escultura mide alrededor de 47 cm y con un peso de 20kg.

En cuanto al análisis simbólico, podemos destacar la corona que lleva, la cual es muy alta y de color azul, sobre una banda amarillo oro. Alrededor de la banda aparece otra banda del mismo color, amarillo oro, con otra serie de colores, rojos, azules y verdes. El collar es del mismo estilo que la banda que está incrustada en la corona.

Voy a terminar hablando del análisis sociológico, el busto de Nefertiti representa el estilo iniciado en el reino de Amenhotep III. La obra tiene tal realismo, que lo más seguro es que el escultor realizó algún estudio de la anatomía humana, para poder representar los tendones de la garganta.

Como conclusión quiero decir que el busto de Nefertiti es la representación de la belleza más perfecta que se da en el Antiguo Egipto.

El Príncipe Ranotep y su Esposa Nofret es comentada por María Espada

Ficha técnica
TIPO DE OBRA: Escultura de caliza policromada y pintada de bulto redondo
TITULO: El Príncipe Ranotep y su Esposa Nofret
AUTOR: Anónimo
FECHA: IV Dinastía hacia el 2360 a.C
LOCALIZACION: Egipto , en el Museo del Cairo.
ESTILO: Escultura del Imperio Antiguo Egipcio

Miden 120 cm de altura cada uno aunque la estatua de Nofret es ligeramente más alta debido al voluminoso tocado.
Las estatuas fueron halladas en MEDIUM , y pertenecen a la IV Dinastía. Fue encontrada en 1871; al norte de la pirámide de MEDIUM se encuentra un cementerio de mastabas de la IV Dinastía.Entre estas tumbas se encontraban la de Ranotep y Nofret, cerca de la pirámide de Snofru y algunos historiadores coinciden en que este pudo ser su propio hijo.
Rahotep fue un noble, sacerdote de Ra y jefe del ejército real. Nofret es su esposa, y poseía el título de "conocida del Rey"
Los dos cuerpos están sentados en sólidas sillas de piedra estucada y pintada en color blanco, formando un bloque con la figura humana. Dispone de una zona para reposar los pies, y lleva, en la zona superior, una serie de inscripciones jeroglíficas pintadas en negro, con el nombre y los títulos de los difuntos.

RAHOTEP

La primera figura, correspondiente a Rahotep, posa en actitud hierática y sedente. Está sentado en un trono de piedra caliza y pintada en color blanco, formando un bloque con la figura humana.
Dispone de una zona para reposar los pies, y lleva, en la zona superior, una serie de inscripciones jeroglíficas pintadas en negro, con el nombre y los títulos de los difuntos.
La figura se puede apreciar que se encuentra con bastante perfección sobre todo la cabeza. Su tez es muy morena, representada en tonos rojizos, tal y como se representaba la piel masculina en el Antiguo Egipto.
Sus ojos son de cristal de roca y cuarzo opaco y engarzados en metal y se puede apreciar un cierto realismo, estos se encuentran protegidos por cejas pintadas en negro. La nariz es de tamaño normal y recta y unos labios carnosos, sobre estos se puede ver un fino bigote, característico del Imperio Antiguo .Lleva el pelo corto y unas orejas proporcionadas a la estatua.
Los hombros, pecho, rodillas, manos y pies, están tallados de forma muy cuidadosa, dándole a la estatua mayor realismo.
Rahotep tiene la mano derecha cerrada y cruzada sobre el pecho, y la izquierda cerrada apoyada sobre la rodilla izquierda, Sus brazos se encuentran ligeramente separados del cuerpo.
Rahotep era sacerdote de Ra, por lo que su nivel social se muestra con faldellín y peluca, además de una decoración escueta como puede ser el colgante (quizás un amuleto).

NOFRET

Nofret, su esposa, también en posición sedente y formando un único bloque con el trono. El asiento esta pintado de blanco con más inscripciones jeroglíficas parecidas a las de su esposo en color negro.
La piel ha sido representada en amarillento, claro, tal y como se representaba el rostro femenino en el Antiguo Egipto.
Los ojos son de cristal engarzado sobre metal, y finamente pintados con kohl (es un polvo muy negro elaborado a base de ingredientes naturales y su uso es muy típico en las mujeres) Lleva pintadas las cejas, que se alargan hacia el exterior del ojo.
Tiene una nariz fina, unos labios gruesos y sin colorear. Y las orejas no son representadas debido a que van tapadas por la gran peluca.
Están representados al detalle los pies y la mano derecha que se encuentra a mitad del pecho por encima del brazo izquierdo no representado al detalle.
El resto del cuerpo se encuentra representado de un fino lino blanco que la envuelve hasta los tobillos y se puede observar por el escote de la túnica los anchos tirantes del vestido.
Alrededor del cuello lleva un collar pintado de manera muy cuidada en tonos verdes y rojos los cuales eran característicos para las mujeres en el Antiguo Egipto. Es una mujer de la alta sociedad, por lo que se ornamenta con collares
Lleva peluca negra, bastante abultada, que le cubre hasta los hombros, y que va sujeta a la cabeza por un tocado de una diadema blanca con flores pintadas

Características generales
- Las figuras representan muchas de las características del arte egipcio en general, que se inició, y permaneció intacto ya desde el Imperio Antiguo. Aunque se pueden ver algunas características distintas, como la anchura de los tobillos en ambas figuras. Los tobillos anchos nos hacen ver un rasgo arcaico del autor. En la siguiente dinastía estos elementos se estilizan.
- En primer lugar, se ve gran hieratismo en sus figuras. Inmóviles, sin ninguna representación de movimiento, viendo pasar el tiempo impasibles, intemporales…
-Ley de la frontalidad: contemplación desde solo un punto de vista, como la mayoría de las estatuas egipcias, solo se representan las partes que se ven de frente, siendo la parte posterior completamente lisa.
- Diferencia de color al representar la piel de los personajes, rojizo para la piel masculina, y amarillento para la femenina.
-Sobre todo en los ojos es donde se puede apreciar un realismo sobrecogedor.
- En Egipto, era símbolo de poder representar el puño cerrado

-Se trata de dos esculturas sedentes y de bulto redondo pertenecientes a miembros de la clase social más elevada de Egipto, razón por la cual se pudieron permitir el lujo de construirse una tumba, en este caso del tipo mastaba y dentro de ella, de encargar este retrato que por hallarse en su tumba decimos que es de tipo funerario.
- La proporcionalidad y la simetría era otra pauta sintomática del arte egipcio.
- Las escultura se componían siguiendo un canon geométrico. Los artistas tenían perfectamente sistematizado el canon armónico de los 18 puños

CONTINUARÁ...

El faraón Menkaure (Micerinos) y su esposa por Marta PINAZO y "El alcalde del pueblo" por Edgar Delgado

2010-10-12T10:58:00.000-07:00

Aquí podemos ver el trabajo de Marta Pinazo sobre esta interesante representación del Faraón Menkaure (Micerinos) y su esposa

Tipo de obra: Escultura.
Título: El faraón Menkaure y su esposa Khamerer-Nebty.
Fecha: 2548- 2530 a.C.
Lugar: Giza, del templo de Menkaure.
Localización: Museo de Bellas Artes de Boston.
Estilo: Estatuaria Real.

ANÁLISIS TÉCNICO
1. Forma: Se trata de la escultura de un faraón realizada en piedra, probablemente granito o algún tipo de piedra granítica. Tiene una altura de 139 cm.
2. Método: Para realizar esta escultura se ha llevado a cabo la técnica del tallado de piedra y más tarde a sido pulimentada para terminar de completar las formas y darle un acabado más definido.
3. Descripción general: Esta obra, dentro de la estatuaria real, se centra en la figura del Faraón y en este caso también en la de su esposa, el Faraón es la encarnación de Egipto e hijo de los dioses, garante de la supervivencia de la civilización egipcia.
Menkaure lleva adornando su cabeza un Klaft que busca la evocación de los rayos del Sol, también lleva la barba Osiriaca que representa la fuerza del Faraón.
Menkaure se encuentra en actitud hierática como mandan los cánones de escultura egipcia los rasgos que definen el hieratismo en esta escultura son los brazos completamente pegados al cuerpo, la cabeza recta y mirando al frente, ninguna expresión en la cara y el pie izquierdo en posición de avanzar, todas estas características lo que hacen es reforzar al máximo la función de las obras de arte egipcia que era, representar al faraón como un dios, en lugar de cómo un simple mortal y la falta de movimiento representa la eternidad.
La esposa que probablemente sea Khamerer-nebty, se encuentra rodeando a Menkaure con su brazo derecho y tocándole con el izquierdo esto representa la importancia del matrimonio y la devoción y admiración de la esposa por el faraón, además el pie izquierdo de la mujer también está en posición de avance pero no tan adelantado como el del faraón lo que indica que ella le sigue a él, como máxima autoridad que es el faraón.
Las dos figuras representadas llevan ropajes muy rígidos pero se aprecia mejor en la figura masculina ya que en la femenina los paños se adaptan al cuerpo y dan sensación se transparencia y marca la anatomía femenina.
Otro rasgo a destacar de la estatuaria egipcia es que respetan la ley de los 18 puños, que consiste en la proporción perfecta entendida por los egipcios y se lleva a cabo creando la escultura con exactamente 18 puños de alto de la propia imagen representada.
Todas las esculturas y especialmente la estatuaria real son de carácter funerario.

Y a continuación os pongo el trabajo de Edgar Delgado sobre la estatua de madera de un funcionario-cortesano.

Escultura del antiguo Egipto que representa a un cortesano.
Título: “El alcalde del pueblo”.
Autor: la obra fue encontrada por el arqueólogo Auguste Mariette.
Fecha: 2500 a.C.
Localización: fue encontrada en la mastaba de Kaaper situada al norte de Saqqara, necrópolis principal de la ciudad de Menfis, en la ribera occidental del Nilo, situada a unos treinta kilómetros de El Cairo y a 17 de la ciudad de Guiza, actualmente se encuentra en el Museo de El Cairo.
Estilo: escultura del Imperio Antiguo.

2. Análisis técnico:
Forma: tallada casi en su totalidad con madera, excepto los ojos que están realizados con cobre, cristal de roca, alabastro y obsidiana.
Método: tallado en madera policromada.
Descripción general: Esta magnífica obra de arte es conocida como "el alcalde de pueblo", o en árabe, el Sheikh el-Balad. Así fue como le llamaron los obreros que en 1860 trabajaban en las excavaciones arqueológicas de Saqqara, ya que la imagen les recordaba a la del alcalde de su localidad. En realidad, el personaje retratado era un Jefe de Sacerdotes Lectores, nacido en Egipto durante el Imperio Antiguo y cuyo auténtico nombre fue Kaaper.

La imagen de Kaaper se talló en un gran tronco, aunque el resultado final se consiguió mediante la incorporación de varios fragmentos de madera. Estos fragmentos se perciben en los brazos y nos indica que fueron esculpidos aparte y anclados posteriormente a la figura.

En el momento de su descubrimiento la escultura tenía múltiples desperfectos, por lo que fue restaurada para su muestra al público. La zona inferior y el soporte era lo que se encontraba en peores condiciones, aunque todavía se podía seguir leyendo el nombre y la título del personaje, cabe mencionara que la vara que la figura luce en una mano es actual.
Al ver la figura lo que nos llama la atención es la postura rígida con la pierna hacía adelante que indicaba poder, también nos hace observar sus ojos realizados con cobre y piedras, además de su forma redondeada y por último cabe destacar el anclaje de sus brazos con lo que se intuye (como mencioné antes) que fueron incorporados a la figura.

EL ESCRIBA SENTADO por Eva BLANCO y COMPARACIÓN DE DOS ESCULTURAS EGIPCIAS por Marta URREA

2010-10-11T00:41:00.000-07:00

Hoy mostramos en el Aula Virtual de Historia del Arte los trabajos de dos alumnas

“EL ESCRIBA SENTADO”comentado por Eva Blanco

Tipo de obra: escultura, pertenece a la estatuaria cortesana, en la que se representaba a funcionarios, sacerdotes, alcaldes etc.

Título: El escriba sentado.

Fecha: fue esculpido entre los años 2480 y 2350 a.C.

Localización: fue encontrada en la ciudad de Menfis, la que fue capital del Imperio del Antiguo Egipto, actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de París.

Estilo: escultura del Imperio Antiguo

2. Análisis técnico:

Forma: es roca caliza policromada.
Método: tallado.
Descripción general:
Es una representación de un funcionario de la administración. Fue encontrado encima de una tumba en la ciudad de Menfis. Está tallado sobre una roca caliza, en la que podemos observar la característica del policromado. Como caracterizaba las esculturas de los hombres el color del escriba es rojizo, característica principal del color de la escultura .El escriba se encuentra en una posición hierática y algo tensa, está característica era propia de las representaciones de los dioses y faraones, pero hay que decir que no aparece tan tensa como las esculturas de los altos cargos.. Tiene la espalda recta, y el cuello erguido en cambio, si nos fijamos en su cuerpo observamos cierta relajación. El artista le representó en posición sedente, con la mirada fija al frente, las piernas cruzadas y las manos preparadas para realizar su tarea como escriba. Observamos que el escriba posee un papiro el cual está apoyado sobre una prenda de vestir típica de Egipto, una especie de falda blanca que cubre todas las piernas hasta las rodillas.

Si seguimos analizando al escriba nos percatamos de su mirada,

con unos ojos intensos tallados en cristal de roca, cuarzo blanco y ébano. Su mirada está fija al frente con actitud atenta, como si estuviera preparado para que el faraón le dictase. La cara está tallada de forma muy realista, podemos ver fácilmente las facciones como los pómulos marcados, nariz y boca, y nos percatamos de que se trata de un hombre de mediana edad. En cuanto a la altura, sigue el canon de los 18 puños, la escultura mide alrededor de unos 50cm.
En cuanto al análisis simbólico no cabe destacar ningún aspecto importante.
En cambio si nos centramos en el análisis sociológico, los egiptólogos especulan sobre la posibilidad de que este escriba perteneciera a la familia real, pero en todo caso hay que destacar la importancia de los funcionarios en esa época.

Y la compatración de dos ESCULTURAS EGIPCIAS por : Marta Urrea Cruzado

-Tipo de obra:
Son esculturas en altorrelieve porque están sobresaliendo del plano más de la mitad del volumen de las mismas.
-Título: primera escultura: El faraón Micerinos con la diosa Hathor y la representación de un Nomo.

Segunda escultura: Faraón Micerinos entre la diosa Hathor y el nomo Cinopolis.

-Autor: Ambas anónimas,ya que en el Antiguo Egipto no era corriente que los artistas que eran considerados simples artesanos firmaran sus obras.

-Fecha: Las dos pertenecen al Imperio Antiguo, VI Dinastía hacia el 2530-2500 A.c.
-Localización: La escultura en la cual la diosa Hathor se encuentra en el centro en la actualidad se encuentra en the Museum of Fine Arts, en Boston (EEUU), y la otra escultura en el museo de El Cairo (Egipto) aunque al parecer ambas proceden de una serie de 8 altorrelieves en honor a las 8 ciudades-cantones de Egipto situadas en el Templo funerario del faraón Micerinos a continuación de su pirámide en Giza.
-Estilo: escultura del Imperio Antiguo en Egipto, no cambia hasta el Imperio Nuevo.

Análisis técnico

-forma: ambas esculturas están talladas en piedra formando un único bloque, donde encontramos tres figuras adosadas en la pared vertical con gran profundidad en la técnica del altorrelieve y una base que aporta estabilidad a todo el conjunto.
(83.5 cm y 92 cm de altura.)
-método: realizadas mediante talla directa y posteriormente aplicándoles un pulido para que la capa exterior de las obras presenten una textura especial.

Descripción general

En la primera obra encontramos a tres figuras: La diosa Hathor en el centro, a uno de los lados el faraón Micerinos y al otro un nomo.
La diosa Hathor se encuentra sentada en un trono manteniendo una posición de hieratismo al igual que las otras dos figuras. El brazo derecho de la diosa esta cruzado rodeando al mismo faraón protegiéndolo y mostrando su cariño, Micerinos está de pie a su lado con un cetro en su mano derecha y una postura de “avanzar” , porque si nos fijamos en sus pies y en los del nomo situado al otro de Hathor, el pie izquierdo se encuentra más adelantado que el otro.
Hathor se encuentra con el torso desnudo y una falda que le llega hasta los pies además de una peluca típica de la época debajo de sus atributos de diosa, que son los cuernos de vaca y el disco solar encima de su cabeza.
Sin embargo el nomo representado también como una mujer lleva una túnica ceñida y el atributo de la ciudad que representa.
El faraón también con el torso desnudo, un faldellín, la corona blanca del Alto Egipto y la barba osiríaca como representación del poder de los faraones.
Y por último a los pies de las tres estatuas encontramos una escritura pictográfica egipcia, llamada jeroglíficos, en los cuales explican la función de esta misma escultura.
En la segunda obra encontramos las tres figuras en distinto orden, el faraón se encuentra en medio de ellas, todas de pie con posición de hieratismo donde únicamente dos de ellas el nomo y el faraón se encuentra con el pie adelantado para avanzar lo que significa que la diosa les acompaña al más allá.
También hay cambios respecto a la vestimenta de la diosa Hathor la cual ya no va con el torso desnudo, sino con otro vestido ceñido donde deja ver sus rasgos femeninos a través de sus prendas.
Además el faraón se muestra más musculado y ocupando el centro se proclama como el ser superior del mundo, el que tiene el poder.

Las dos obras son para uso funerario, aunque rara escultura se utilizaba para otra cosa, y sus temáticas eran los faraones los cuales se situaban en el escalafón superior de toda la sociedad egipcia, también considerados como unión entre el mundo real y el divino.

CONTINUARÁ...

MENES Y NARMER

2010-09-26T13:04:00.000-07:00

Para ir completando el tema del arte egipcio que estamos desarrollando en clase voy a poneros en este espacio del Aula Virtual un comentario sobre Menes y Narmer, estos personajes del antiguo egipcio que están cargados de simbología y a la vez nos van a ayudar a entender muchas obras del arte egipcio que nos resultan misteriosas.
La tradición histórica atribuye a un personaje legendario llamado Menes la constitución del reino de Egipto y la instauración del poder real en dicho reino.
Fue, por lo tanto, el primer faraón y el que se encargó de fundar las bases administrativas , económicas y culturales de lo que conocemos como Civilización egipcia.
También, según la leyenda, a Menes se le atribuye el nombramiento de la capital, Menfis, y la división del territorio del Alto Egipto y el Bajo Egipto en distritos.
Y además, la organización del Estado con una amplia burocracia que hacía uso de la escritura y el eficaz sistema de regadío.Pero Menes a pesar de todo el interés que despierta a la hora de estudiar el arte y la cultura de Egipto, sigue siendo un personaje legendario.
Del que si estamos seguros de que fue el primer soberano de egipto es de NARMER, ya que hay testimonios de su presencia hacia 3000 años antes de Cristo por el norte y por el sur del país.
A NARMER se le atribuye la unificación del país y la creación de las dinastías Tinitas (primeras dinastías egipcias).
La obra que más se identifica con este primer faraón es la llamada PALETA DE NARMER.
Es una paleta cosmética con relieves en el anverso y reverso, hallada en Hieracómpolis, y que se encuentra en la actualidad en el Museo Egipcio de El Cairo.

anverso de la paleta

reverso

Las paletas cosméticas eran soportes con una cavidad central en la que se mezclaban los pigmentos que servían para una ornamentación personal. Durante esta primera época del arte egipcio se difundieron porque tenían una función conmemorativa también. En esta paleta de NARMER se conmemoraba la victoria del rey NARMER sobre los pueblos del delta.
En el anverso de la paleta aparece el rey dispuesto a golpear con su maza a un enemigo y lleva todos los atributos del soberano egipcio: la corona blanca del alto Egipto, la faldilla o sendhyt,y la barba postiza (barba osiriaca)

Junto al soberano aparece la figura del portasandalias, encargado del servicio personal del rey.

El nombre de NARMER aparece en la parte superior siguiendo la práctica de protección mágica, que más tarde constituiría la base del cartucho (figura oval en la que se iba inscribiendo el nombre del nuevo rey-faraón).

El faraón NARMER aparece igualándose a la divinidad astral HORUS. Las gentes del delta están simbólicamente representados por una serie de papiros de los que sale una cabeza humana cuya respiración y por lo tanto su vida, ata HORUS con un lazo.

Los enemigos vencidos aparecen en la parte inferior con una expresión desencajada que seguirá utilizándose en muchos relieves antiguos.

En el anverso de la paleta, la ornamentación se reparte en tres registros horizontales. en el mayor de ellos, en el centro, de carácter esencialmente decorativo, hay dos bestias cuyo largo cuello se enrolla en torno a la cavidad destinada a los pigmentos; estos animales fantásticos se apoyan en dos egipcios.
El registro superior expresa un mensaje concreto: el soberano, que lleva la corona del Bajo Egipto, se adelanta con su séquito para inspeccionar una fila de hombres decapitados, según el ritual, con la cabeza entre las piernas.
En el inferior el toro pisotea a un hombre barbado, fuera del recinto de una ciudad. Podría ser la representación de la furia del rey.
Tanto en la composición de conjunto como en los detalles, la Paleta de Narmer muestra ya alguna de las convenciones propias del arte egipcio:
la disposición de la narración en registros, con las figuras alineadas;
los diferentes tamaños de los personajes en función de su importancia,lo que se conoce como perspectiva jerárquica
y la manera característica de representar el cuerpo humano en dos dimensiones.
Y por último, os invito a dar un paseo virtual por el museo de El Cairo, (haced clic sobre el nombre ).

Bienvenidos al curso de historia del Arte 2010-2011

2010-09-17T13:18:00.000-07:00

Empezamos un nuevo curso abriendo caminos, con la posibilidad de aprender más sobre la Hª del Arte.

Un nuevo curso académico se inicia y personalmente deseo, como todos, aprovechar las amplias posibilidades que nos ofrece Internet.
Vamos a usar el blog,color y forma 2, dentro del aula virtual de bachillerato, como un medio que complemente el amplio programa de esta asignatura y os pueda facilitar el acceso a toda la información que existe en las páginas Web dedicadas a la Historia del Arte-

Lo utilizaremos como una referencia a lo largo del curso, y a través de vuestros comentarios y los míos podremos conseguir hacer aportaciones sobre la asignatura.

Para ir cogiendo el ritmo de los comentarios os pongo algunos de mis preferidos para ir abriendo vuestro camino de la Historia del Arte

PINCHAR ENCIMA PARA PODER LEER EL COMENTARIO

EL SIGLO XIX EN ESTADOS UNIDOS LOS RETRATOS DE SARGENT

ANDY WARHOL,” contra la banalidad burda y barata de lo cotidiano

Cúpula de Santa María de las Flores en Florencia

Os deseo un buen curso

LA IMPRESIÓN DEL NUEVO CURSO

2010-09-06T11:27:00.001-07:00

Al comenzar el nuevo curso viene a mi mente una obra que se podía considerar la “joya” del museo Marmottan de París.
Es una pintura de tamaño mediano que tiene el privilegio de haber dado nombre al impresionismo.
No se trata de la descripción de un paisaje, sino de la impresión del artista ante un momento muy particular del día: el amanecer, como particular es para mí el amanecer del nuevo curso.
Monet pintó el amanecer sobre un puerto. La sensación atmosférica domina una escena en donde las formas desaparecen casi por completo. Mientras que el sol "lucha" por despuntar, las neblinas del puerto van apareciendo, creando magníficos reflejos anaranjados en el mar y en el cielo.

La mancha oscura y evanescente que aparece en el centro de la escena nos deja reconocer una embarcación pequeña con dos personas a bordo.
La pintura la situamos claramente fuera de la tradición académica y buscamos en ella sensaciones de luz y color, contempladas al aire libre directamente, y esto hace que Monet renuncie a la paciente ejecución del dibujo y a la aplicación de composiciones clásicas.
Si queremos podemos comparar a la pintura impresionista con el desarrollo de la literatura francesa de finales del siglo XIX que nos indica el camino a la búsqueda del valor de las sensaciones y de la memoria involuntaria.
Si nos fijamos en el fondo de la escena se intuyen a pesar de la confusión que ejerce la bruma, formas de barcas, grúas, elementos relacionados con la industria que junto a los humos nos llevan a una confusión con la niebla en una extraordinaria vibración de luz.

En cuanto a la esfera anaranjada-roja que domina cromáticamente la pintura hace reverberar la tonalidad cálida sobre los fríos tonos azules y grises, tanto en el reflejo alargado del sol sobre el agua como en las sutiles tonalidades rosadas que se ven en las nubes.

El color azul en el arte

2010-08-07T09:26:00.000-07:00

De las seis sensaciones cromáticas básicas de la visión humana el color azul es una de ellas.En las artes plásticas su opuesto es el naranja y es complementario al amarillo en la luz, ya que para formar amarillo se necesita mezclar rojo y verde al 100% de intensidad, y nada de azul.

En el arte hay un azul fantástico que conocemos como "azul ultramar" que se obtiene del lapislázuli que está compuesto de lazurita y pirita, que es la que proporciona el brillo irisado .Una vez molido y filtrado, los artistas medievales lo mezclan con aglutinantes, como las colas o el huevo, para obtener un color estable y de gran brillantez. Este azul recibe pronto el nombre de azul ultramar, para indicar su procedencia del comercio a larga distancia.

Llega de las montañas de Afganistán, lo traen los mercaderes orientales, se considera una mercancía preciosa, la llamada piedra azul o lapislázuli. Se comercia con ella como piedra semipreciosa, ya que su tono azul violáceo de gran intensidad es muy atractivo para joyas e incrustaciones. Y además, pronto se convertirá en el pigmento más preciado y caro de todos los que han existido.

Los artistas y mecenas medievales quedan fascinados con su belleza y su precio, y pronto lo convierten en un tono que hay que emplear con cuidado y en pequeñas cantidades. Los mecenas especifican por contrato cuantas onzas de ultramar se pueden usar, así que las superficies elegidas para ser pintadas por este color, tienen que ser muy especiales. La elección recae en el manto de la Virgen , que empieza a ser azul a partir de este momento.

Los pintores del trecento utilizan el azul en sus pinturas. La pureza del color casaba bien con la filosofía de la estética del momento. Cuanto más esencial,resultaba más apto para representar conceptos elevados de la jerarquía espiritual.

Para el fresco, el más estable de los procedimientos, no es posible usar un sucedáneo , como la azurita, que verdea. Por ello, el ultramar se encuentra poco en frescos medievales, la maravillosa excepción son los frescos de Giotto en Padua, con un despliegue de pigmentos de la mejor calidad.

En el siglo XV,se empieza a utilizar el óleo para mezclar los pigmentos y el ultramar pierde su brillantez. Para obtener el mismo resultado , los pintores lo mezclan con blanco de plomo, lo que permite mostrar una infinita variedad de tonos celestes de los que se beneficiarán los cielos renacentistas y barrocos.
Una obra que nos muestra este efecto es la Bacanal, de Tiziano,en esta obra se muestran toda una gama de pigmentos que conocían en Venecia , la ciudad donde vivía el pintor, y además la puerta de entrada desde Oriente a toda Europa.

En los siglos XVII XVIII hay una carencia palpable de este color y es sustituído por el azul de Prusia (sobre todo en el siclo XVIII) que es un poco verdoso.

Los impresionistas utilizaron un azul cobalto.

Y por último el grupo expresionista alemán El Jinete Azul o Der Blaue Reiter, en el que están Franz Marc, Wassily kandinsky, y August Macke, estos pintores buscan una revolución estética. Sienten predilección por los caballos, así como por el color azul, color que inunda sus trabajos.

Santa María de Tahüll y la selectividad

2010-06-09T11:29:00.000-07:00

Hoy, debido a que esta obra la han elegido algunos de mis alumnos de historia del arte en la prueba de selectividad, voy a comentar lo imprescindible de una obra sencilla y a la vez magnífica que nos acerca al románico y hace sentir en un campo de sencillez la gran fuerza iconográfica de esta época.

En el románico no se consideraba que un edificio estuviera terminado hasta que sus muros estuvieran revestidos de una iconografía que le diera la definición de una obra importante.
Los muros de los ábsides, y algunas partes del interior se cubrían de pinturas llenas de un significado religioso y docente.

En el Valle de Bohí, provincia de Lérida, (España)está Santa María de Taüll, una iglesia románica situada a pocos metros de Sant Climent (San Clemente) que pertenece a la misma época (1123).

La Iglesia es de estilo lombardo y está levantada sobre una planta basilical de tres naves y tres ábsides semicirculares.

El conjunto pictórico de Santa María de Taüll fue descubierto a principios de siglo XX por Puig i Cadafalch,y entonces se iniciaron los trabajos de traslado de los frescos hacia Barcelona. Hoy se exponen en el MNAC de Barcelona en toda su integridad, y en Taüll se ha realizado una réplica que solo abarca la cuenca absidal y el muro semicircular del mismo ábside.
la escena de la Epifanía es la que domina la parte central.
María, sentada en un trono decorado con gemas y rodeada de una mandorla (almendra mística) perfilada con círculos concéntricos, sostiene al niño Jesús en sus piernas.
El vestido de la Virgen es una ancha túnica y casulla sacerdotal, y lleva también un velo corto que cae sobre sus espaldas bajo un nimbo amarillo.
El niño, con ricos vestidos y nimbo crucífero, tiene un rótulo en la mano izquierda y levanta la otra en señal de bendición.
Maria tiene la mirada fija hacia el espectador, mientras que Jesús dirige la suya hacia el rey Melchor.

Los reyes magos están de pie en actitud de acercarse para la presentación de las ofrendas al niño Jesús y se disponen de la siguiente manera: a la izquierda Melchor (MEL.HIOR) y a la derecha Gaspar (GASPAS) y Baltasar (BALDASAR).
Los reyes magos llevan coronas en las cabezas, aparecen figurados según la tradición literaria como representantes de las tres edades de la vida del hombre, de manera que uno de ellos es imberbe (joven), el otro parece una persona madura y el último como un anciano.

Hay dos estrellas en la parte superior,que quizá están representando la dualidad del Antiguo y el Nuevo testamento.
En la parte superior del arco del ábside se encuentra la imagen del Agnus Dei,

mientras que en una banda está Abel ofreciendo un cordero, y seguramente Caín en el otro ofreciendo flores. En la parte inferior, se encuentra el arcángel Gabriel con un serafín, y las figuras de Lucas y Juan, con la posibilidad de que en otro lado estuvieran los otros dos evangelistas. Todos ellos también aparecen representados por el tetramorfo, las imágenes alegóricas de todos los evangelistas.

El 30 de noviembre del 2000 se reconoce Patrimonio de la Humanidad por parte de la UNESCO formando parte del conjunto románico catalán de la vall de Boí.

Olga, Pablo y Picasso

2010-05-07T14:06:00.000-07:00

Olga Koklova era una bailarina rusa que conoció a Picasso en Roma en 1917, cuando este colaboraba con Jean Cocteau en la decoración y el vestuario del ballet Parade, dirigido por Diaghilev con quien trabajaba Olga.
El dibujo de Olga muestra como un aura mágica quizá generada por el amor que sentía Picasso hacia ella en ese tiempo. La pose frontal quizá resulte demasiado clásica, pero queda equilibrado todo el dibujo con ese fondo neutro y una minuciosa descripción de su mirada que le confiere un aire misterioso e intemporal.

Tras contraer matrimonio con Olga, el nacimiento de su hijo Paul en 1921 supondrá para Picasso en su etapa artística entre el cubismo y el clasicismo una nota fresca de romanticismo, donde el tema de la infancia y las maternidades van a predominar en su creación.
Paul vestido de arlequín es un retrato lleno de ternura.

Es una deliciosa composición con un niño de tres años que interesa tener entretenido mirando algo nuevo o sintiéndose protagonista de la escena con un disfraz que acapara todo el color del cuadro.
Vuelve a centrarse todo en la mirada del niño tratada con tal minuciosidad que sobra todo lo demás.
Todos los que en algún momento hemos intentado conseguir que un hijo de tres años se comportara de forma serena y a la vez contenida en algún momento, apreciamos el magnetismo que provocaba Picasso en todos sus modelos y que plasmaba tan facilmente en la pintura o el dibujo.
Lo más probable, al menos yo creo que fue así, es que Picasso estuviera hablando a Paul todo el tiempo y le tuviera realmente ensimismado con las historias y cuentos que le fueran viniendo a la mente.
El rostro muestra admiración , serenidad, parece que está esperando que su padre le indique lo que tiene que hacer, eso es algo que el espectador siente delante de un cuadro pintado por un genio...

Mirar hacia el infinito

2010-04-22T13:38:00.000-07:00

Caspar David Friedrich nació en 1774en Greifswald, desde donde se puede ver la isla de Rügen en el Báltico. Es muy probable que fuera este lugar uno de los preferidos de Friedrich para dar largos paseos.
También es probable que cuando se casó en 1818 viajara desde Dresde con su esposa para que esta pudiera ver su lugar preferido de los blancos acantilados de rocas cretáceas.

La composición, que se reducía a lo esencial mostraba la naturaleza en estado primitivo, antes de ser habitada, y esto llenaba la composición de misterio. Las figuras parecían querer fundirse con ese mundo que contemplaban.
Fue un pintor muy representativo de este momento que protagonizaba el Romanticismo. El paisaje se ha llenado de misterio y grandeza, y a pesar de su desnudez, es capaz de transmitir emociones humanas que en otros momentos de la historia del arte se expresaban a través de cuadros con escenas religiosas o históricas.
Friedrich hacía composiciones muy sencillas donde la repetición de elementos monótonos del paisaje reflejaba intensamente la soledad de las pequeñas figuras, que nos hacen pensar en su fragilidad frente a la inmensidad del espacio.
Es interesante pensar que este paisaje se encuentra en un estado intermedio entre el realismo y la abstracción.
Realismo porque nos presenta la naturaleza que la hace imponerse como una realidad objetiva… donde interviene la simetría como un elemento característico que aparece en muchos de sus paisajes. Es una simetría que actúa como reguladora de la composición.

… y abstracción en tanto que utiliza la naturaleza como medio para la manifestación de una vivencia de carácter espiritual y además con esa tendencia a la simetría proporciona a estos paisajes una gran parte de su carácter de abstracción, ya que en la naturaleza no vemos muchos paisajes simétricos.

La habitación roja o armonía en rojo (MATISSE)

2010-03-29T10:43:00.000-07:00

Matisse es el gran solista del color en la pintura del siglo XX ...
y también de la curva y del sentido decorativo.
La obra de Matisse es el recurso imprescindible para explicar los tres elementos de la pintura.
1.-¿Dónde descubriría Matisse ese color que nos ofrece en sus cuadros?
Es probable que su formación fuera entre los recuerdos del color de Van Gogh
(postimpresionista), Gaugín e incluso del simbolista Gustave Moreau.

2.-¿Dónde encontró la inspiración en la utilización de formas curvas?

Estoy segura que enriqueció su horizonte visual con las estampas japonesas, las cerámicas persas, las telas del mundo árabe…

3.- ¿ Y el sentido decorativo?
Está claro que Matisse tras la experiencia en el mundo de los pintores fauvistas a partir de 1907 estableció un “diálogo” con Picasso y el cubismo y se acercó a una reducción esencial de los contornos y descompuso la figura humana partiendo de líneas geométrica, pero mantuvo intacto el gusto por el color luminoso, por la evocación de un ambiente y por el sentido decorativo.

En Moscú, en 1911, se ocupó de colocar sus pinturas en las colecciones rusas y contribuyó al desarrollo de las vanguardias rusas.

Y allí en el museo Ermitage encontré la armonía del color, la curva y el sentido decorativo:

LA HABITACIÓN ROJA que él llamó Armonía en rojo

Se representa un comedor donde todos los elementos que forman la pintura se subordinan al color puro e intenso. Predomina el rojo, uno de los preferidos de Matisse, y se puede observar que utiliza el color de forma subjetiva (pelo naranja, copa de árbol blanca, vino amarillo...). El dibujo curvilineo se esquematiza y las formas se simplifican al máximo. No hay volumen. Son espacios planos (Gauguin) el espacio olvida la perspectiva totalmente (bidimensionalidad), llegando incluso a que la decoración y el color del mantel y la pared sea igual, hasta confundirse ya que prescinde de las diferencias de tonalidad, de sombras o claroscuro para el interior.

Se pone de manifiesto una característica peculiar de Matisse, que lo diferencia de otros pintores fauvistas, su gusto por la ornamentación que se pone de manifiesto en los arabescos. Esta característica es la que alejará a Matisse de otros pintores fauvistas y la que provocará que el grupo se disgregue
La obra fue realizada para un coleccionista ruso, y se había realizado originalmente en azul y verde, pero a Matisse no le gustó y lo repintó en rojo.
Al principio del s.XX el mundo de la pintura se encontraba en una fase de agotamiento. El Impresionismo ya se consideraba algo antiguo, y los postimpresionistas, que habian iniciado trayectorias nuevas, o habían muerto (Van Gogh) o se habían refugiado en particularismos.

En la pintura tradicional se había logrado casi todo.
A principios del s.XX los jóvenes pintores querían llegar a algo nuevo y buscar nuevas formas de expresión y divulgación de su obra. Esto implicaba la necesidad de un ambiente de libertad para buscar normas, conceptos, técnicas..., es decir libertad de creación.

París, desde finales del s.XIX, se había convertido en un espacio de libertad y alegría que permitía el contacto entre artistas, y facilitaba la germinación de diferentes movimientos pictóricos, los llamados "ismos", como el fauvismo o el cubismo. En este ambiente se inaugura en 1905 el III Salón de Otoño, donde expondrán en una de sus salas los que serán denominados fauvistas.
Es una época dominada por las transformaciones y el progreso científico y técnico (2ª Revolución Industrial), convirtiéndose la modernidad o sustitución de lo viejo por lo nuevo en el principal valor. Para algunos historiadores los diez primeros años del s.XX, suponían el auge de Europa como potencia mundial. El concepto de "superioridad del Viejo Mundo" lo preside todo.
Si bien EEUU habia iniciado su despegue económico, no alcanzó hasta la 1ª Guerra Mundial a Europa. Esta superioridad se pone de manifiesto en el dominio técnico, económico, político (imperialismo), e intelectual. Todo ello produce en Europa una confianza en si misma que se pone de manifiesto en el mundo cultural y artístico. Esto influirá en los jóvenes pintores vanguardistas que se atreverán con nuevos ensayos para superar la pintura tradicional; estaban naciendo las VANGUARDIAS HISTÓRICAS y Matisse será uno de los vanguardistas.
Matisse nació en Le Cateau-Cambrésis (norte de Francia), en 1869, en el seno de una familia de comerciantes. Aunque estudió Derecho, durante una enfermedad empezó a pintar, convirtiendo esta afición en su profesión.
Se instaló en París donde ingresó en la Escuela de Bellas Artes recibiendo lecciones del simbolista Moreau y copió obras clásicas del Louvre. Sus primeras obras son impresionistas, y después puntillista por influencia de Signac.

PANTHEON

2010-03-06T04:32:00.000-08:00

Cuando vas callejeando por este laberinto mágico de calles que forman el centro de Roma y de repente entras en la Piazza della Rotonda… encuentras con asombro uno de los grandes edificios de la ciudad antigua.
Quizás es el edificio más bello del mundo. Todo es armonía, es macizo y contundente por fuera y tan delicado que se llega a sentir una emoción grande cuando atraviesas las columnas y te encuentras en el corazón del templo.
Fue mandado construir por Agripa en el año 27 a.C., pero reformado en el 120 d.C. por Adriano, considerado por los romanos como uno de los mejores emperadores de Roma.
Adriano, el español, dejó una huella de cultura, buen gobierno y obras públicas por toda la ciudad.
El Panteón, fue hecho para honrar a todos los dioses de la cosmología latina
Se llama Panteón de Agripa porque fue el yerno de Augusto, Marco Agripa, el que levantó el edificio original en el año 27.Algunas marcas encontradas en los ladrillos corresponden a los años 123-125, lo que permite suponer que el templo fue inaugurado por el emperador durante su estancia Roma entre el 125 y el 128 de la era cristiana. Se cree que el artífice de tal maravilla fue el arquitecto Apolodoro de Damasco.
Lo más impresionante y a la vez lo más novedoso es su gran cúpula, que tardó bastante en ser superada (habría que esperar al Renacimiento para encontrar una cúpula más grande aunque bastante más para encontrar una tan perfecta).
Por fuera, es un tambor con un pronaos sostenido por una imponente columnata que actúa como vestíbulo de entrada.

Por dentro es una maravilla que se salvó de ser una gracias a que se convirtió en iglesia poco después de que la religión católica se convirtiera en la oficial del Estado.
Pese a todo, el panteón no se libró de los saqueos para otras obras.

El papa Urbano VIII, de la familia de los Barberini, mandó a levantar todas las tejas de bronce que recubrían la cúpula para hacer el baldaquino de San Pedro y cañones destinados a los ejércitos papales. Los romanos no se lo tomaron muy bien y acuñaron una frase irónica que se ha convertido en todo un clásico: “quod non fecerunt barberi, fecunt Barberini” . En español podría traducirse como “lo que no hicieron los bárbaros, lo hicieron los Barberini”.
La influencia de este edificio ha sido determinante para entender el desarrollo de la arquitectura moderna y hay quien dice que el Renacimiento surgió cuando otro de los grandes de la Historia del Arte penetró en su interior para aprender.

El mítico Bruneleschi, autor de la imponente cúpula del Duomo de Florencia, seguro que examinó al detalle esta magnífica obra de 44 metros de diámetro antes de iniciar su magistral cúpula de ‘espina de pescado’ de la catedral florentina.
Si caminas bajo el óculo de casi 8,9 metros de diámetro que hay en el centro de la cúpula y que permite ver desde el interior del templo el cielo, puedes sentir una sensación de algo trascendente que va más allá de lo terrenal.
Es muy probable que el templo fuera concebido como una cosmogonía, como un observatorio del cosmos, de ahí su orientación al norte, punto fijo de la bóveda celeste y que permite comprender la variación de las estrellas a lo largo de los días y las noches.
Y ya para conseguir la perfección, unos agujeros de tamaño casi microscópico practicados en el suelo impiden que el agua se acumule en el interior del edificio cuando llueve.

Y para concluir os dejo el enlace de un video y una visita virtual al Panteón que a muchos les recordará el fabuloso viaje de 2º de bachillerato que todavía seguimos viviendo en nuestros corazones.

American Gothic

2010-02-06T12:56:00.000-08:00

Al pintor Grant Wood se le relaciona con el movimiento estadounidense del Regionalismo que se localizó sobre todo en el Medio Oeste.

Fue uno de los tres artistas que más se les relacionó con este movimiento. Los otros, John Steuart Curry y Thomas Hart Bennton, regresaron al Medio Oeste en los años 1930 debido a los ánimos que les dio Wood y la ayuda con cargos docentes locales para ellos en universidades en Wisconsin y Kansas respectivamente. Junto con Benton, Curry, y otros artistas regionalistas, la obra de Wood fue comercializada a través de Associated American Artists en Nueva York durante muchos años.

No hace falta ser un especialista en historia del arte para haber visto alguna vez el cuadro más famoso de Estados Unidos: «Gótico Americano».
Esa extraña pero reconocible pareja de «americanos profundos» lleva desde 1930 posando frente a su peculiar casa.
Tres cuartos de siglo mirando al mundo como figuras inquietantes, sobre un pedestal contemporáneo de ironía algo siniestra.
Como parte del culto generado por este estilizado cuadro, de inspiración renacentista, no puede faltar una visita al pueblecito de Eldon, al sur de Iowa, donde se halla la casa original que con su caprichosa ventana sirvió de inspiración a Wood mientras estaba paseando en coche por la zona.
El artista, intrigado, llamó a la puerta solicitando a sus ocupantes permiso para fotografiar su fachada. Ante el compromiso, se dice que la señora de la casa y sus hermanas decidieron lavar todas las cortinas antes de que Wood tomara fotografías e hiciera bocetos de la casa.

Junto al porche emblemático, el otro pilar de este lienzo es la retratada pareja.
El cuadro fue expuesto por vez primera en el Instituto de Arte de Chicago donde aún se encuentra hoy en día.

Actualmente, la pintura es parodiada con frecuencia en la cultura popular, y sigue siendo uno de los ejemplos más notables del regionalismo.

A Wood se le considera el artista patrón de Cedar Rapids, y uno de sus diseños se representa en el state quarter (moneda conmemorativa) de Iowa de 2004

Con Picasso nace el cubismo

2010-01-23T13:49:00.000-08:00

LAS SEÑORITAS DE AVIGNON
Cuando tienes delante de ti un grupo de adolescences dispuestos a tomar apuntes de lo que vas a comentar o simplemente esperan con mirada un poco desafiante a ver que les vas a contar que sea nuevo e interesante, buscas todas las formas posibles para que entiendan algo que a ti te costó entender.
Reconozco que yo entendí el cubismo cuando cursé una optativa que se llamaba Fundamentos del arte moderno,en la facultad de Geografía e Histori, en la Complutense. Quizá la elegí por lo enigmático del nombre o porque el profesor era Francisco Calvo Serraller que por ese tiempo yo no sabía muy bien quién era, pero había oído que era muy buen profesor. Fue una clave en mis estudios.
Entendí muchas cosas, pero sobre todo entendí el cubismo...y cómo lo tenía que contar.

"El cubismo divide la figura en planos, la descompone científicamente, para dislocarla en el espacio, es una manera de sugerir movimiento y volumen en una superficie plana e inmóvil.
El cubismo es una revolución tan mental como plástica". Así lo comprendí yo y así se lo cuento a mis alumnos.

Picasso dijo en una ocasión: Yo no sé inglés y para mí un libro en inglés es un libro vacío, pero eso no significa que el inglés no exista".
Si el espectador no descifraba la tela no tenía que enfadarse con el artista sino consigo mismo por no haber aprendido un nuevo lenguaje. Para el artista, "el cubismo no es ni una semilla ni un feto sino un arte que trata sobre todo de las formas y, cuando una forma se materializa, ésa vive su propia vida".

RETRATO DE GERTRUDE STEIN
En 1906, Pablo Picasso se compromete a realizar el retrato de Gertrude Stein.
Necesitará 96 sesiones para terminar el cuadro, que presenta el rostro de la escritora como una máscara primitiva. Ese mismo año el pintor descubre, en el Louvre, la escultura ibérica y estudia la pintura de Gauguin. El primitivismo, el deseo de volver a lo que es natural, de romper con las convenciones sociales, se acrecienta cuando ve por primera vez tallas de lo que entonces se llamaba arte negro.
Alejado de todo y de todos, trabajando a partir de fotografías de colecciones etnográficas, Picasso preparaba su revolución en el arte.

MOMA

La primera gran materialización de ese deseo de "no conformarse con ver de otra manera sino en querer ver otra cosa" será Las señoritas de Aviñón, tela de gran formato, estampa de burdel de una enorme violencia plástica.
Es la primera obra cubista.
El pintor la terminó en su estudio parisino de Montmartre, en el verano de 1907, y ahora se exhibe en un lugar destacado en el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York.

Picasso no sólo abrió las puertas al cubismo sino también a todo el arte por venir, desde el expresionismo y el 'Cuadrado negro' de Malevich hasta el arte conceptual de hoy en día.
La representación de cinco prostitutas, dos de ellas con el rostro cubierto de máscaras africanas, ya no genera escándalo, pero sigue siendo una impresión visual, "incluso después de un siglo de arte donde la única ambición fue sobrepasar la obra de Picasso", escribe el crítico del New York Times, Michael Kimmelman.

AMBIENTE DEL MOMA

Picasso rompió con este cuadro casi todo lo que distinguía al arte occidental hasta entonces y le entregó así su expresión artística al mundo, que vivía un espectacular cambio tecnológico, científico-cultural, político y económico.
En la escena de burdel, que recibió su título una década después de una calle de Barcelona en la que había prostíbulos (Avinyó), Picasso renunció a la imitación del mundo objetivo, habitual durante décadas, que él mismo ejercitaba hasta poco antes en el "periodo rosa". Rompió con las leyes de la perspectiva, expulsó la "belleza" del arte e hizo una clara referencia a la sutil rusticidad de las máscaras africanas e ibéricas antiguas, que había visto en los museos de la capital francesa.
Las cinco mujeres desnudas, cubiertas sofisticadamente con paños, se convierten en superficies geométricas fragmentadas.
Ninguna luz modela los cuerpos y el espacio del cuadro parece unido en una sola superficie.
Las "Demoiselles" permanecieron durante años apartadas de cualquier exposición hasta que el escritor surrealista André Breton convence en 1924 al coleccionista francés Jacquet Doucet de invertir en una obra que según él "trasciende la pintura, y es un teatro de todo lo que pasó en estos últimos 50 años".
El MoMA la adquirió en 1939.

La historia de los Reyes Magos

2010-01-02T07:10:00.000-08:00

JUAN DE HILDESHEIM, un monje carmelita, muy culto, escribió la historia de Los Reyes Magos. Había viajado por Europa y entre 1342 y 1352, en los años del pontificado de Clemente VI, estaba en Avignon y también impartió clases de Sagrada Escritura en la Facultad Teológica de París.
Este monje durante los últimos años de su vida se ocupó de juntar todos los documentos, leyendas e historias sobre Los Reyes Magos que había ido recopilando anteriormente y dio vida a una narración excepcional.
El Libro de Los Reyes Magos de Juan de Hildesheim es una lectura fascinante y es un hecho que se podría ilustrar con una gran cantidad de imágenes…pero eso sí, nos permite, con cualquiera de las imágenes que escojamos, ver a los Reyes Magos con ”nuevos ojos” y menos “presupuestos”.
Este maravilloso libro de Los Reyes Magos tiene treinta y cuatro capítulos y hace una preciosa descripción desde el origen de estos Reyes que aparecen como centinelas de la montaña de Vaus (en Oriente), donde debían vigilar la aparición de una estrella (la estrella de Jacob) que les guiaría hacia el Salvador hasta el último momento en que los cuerpos y las reliquias de estos maravillosos personajes son trasladados a la iglesia de San Pedro en Colonia.
Los capítulos XVI y XVII, se refieren a dos relatos que todo el mundo cristiano conoce y que de alguna forma venera.
Se refieren a la alegoría de los dones de los Tres Reyes Magos (XVI) y a su llegada a Belén para presentar sus dones a Cristo (XVI).

Mosaico de San Apolinar el Nuevo en Ravena (Italia)

En el capítulo XVI dice Fulgencio…EL INCIENSO hace referencia al sacrificio, EL ORO al tributo y LA MIRRA a la sepultura de los muertos: y la fe jamás dejará de presentar esta triple ofrenda, mientras crea que el uno y mismo Cristo es el verdadero Dios, el verdadero Rey y el verdadero Hombre.

En el capítulo XVII cuando cuenta Juan de Hildesheim cómo llegaron los Tres Reyes a Belén y presentaron sus dones a Jesús hace una deliciosa descripción de un niño regordete de unos trece días y de María que era de buena complexión y un poco morena de cabellos y piel, que sujetaba delicadamente la cabeza del Niño con la mano derecha.
Los Reyes besaron la tierra y ofrecieron sus dones con devoción.
Melchor era el más bajo de estatura, Baltasar el mediano, Gaspar el más alto, un negro de Etiopía, y sobre esto no hay dudas. De ahí el pasaje de David : “ante Él se postraron los etíopes”.

Adoració de los Reyes Magos de Giotto

En cuanto al color de la piel en la representación de los Reyes Magos, la explicación reside en el simbolismo que en cada época se ha concedido a los 3 magos de Oriente. Hasta casi el siglo XV se representaban "las 3 edades del hombre" para, más adelante, modificar ese significado por el de "los 3 principales continentes".

Siempre que hago referencia a este episodio de los Reyes Magos y quiero recordar alguna obra que sea fiel a la iconografía de este tema me viene a la memoria la obra de Velázquez que es una de las representaciones más cercanas a la realidad. Se podría considerar como un auténtico retrato de familia.

A pesar de la complejidad del tema, Velázquez nos muestra en esta obra un acontecimiento alegre que lo está esperando el pueblo. Ni siquiera los personajes de los Reyes se muestran con lujo.
Un cuadro excelente, de una sencillez admirable, con todos los personajes perfectamente dispuestos en un escenario velazqueño sin comparación...

2009-12-27T11:30:00.000-08:00

Cuando empecé a leer el libro de Tzvetan Todorov, Elogio del individuo. No podía imaginar que estudiar los retratos del siglo XV en Flandes, entonces vinculado al importante Ducado de Borgoña, iba a ser tan apasionante.
En Flandes se puede decir que surgió la recuperación del retrato, un género olvidado durante la Edad Media Y este fenómeno habría que relacionarlo con la búsqueda de todo aquello que llevara al artista a la representación de la naturaleza perceptible a través de los sentidos y también con la preocupación por el hombre, lo que conocemos como la corriente del humanismo.
No puede haber ninguna duda de que Jan Van Eyck es el pintor más importante de Flandes en el siglo XV, y el que tratará el género del retrato de una manera insuperable, posiblemente por esa sensibilidad que muestra en el tratamiento de la luz.

El cuadro del "Hombre del turbante rojo", de 1433 que está en la National Gallery de Londres, para muchos historiadores del Arte puede que se trate de un autorretrato de Jan.
Lo importante de esta obra es que marcó un estilo de retrato ya que a partir de aquí los retratistas flamencos realizarán sus retratos colocando a los personajes de tres cuartos y estableciendo lo que podríamos considerar como un diálogo con el espectador.
El hombre nos mira directamente a los ojos, y esa será, con el tiempo, una de las características del autorretrato. Esa mirada se queda fija en el espectador, ese rostro permanece en la retina del que lo observa por un largo tiempo.
Pero lo que realmente resulta fascinante es cuando uno llega a la National Gallery de Londres y encuentra este cuadrito. Es poco mayor que una mano, y sin embargo está lleno de detalles que le dan un individualismo insuperable.

Pienso que quizá nunca llegaremos a tener la certeza de quién es el verdadero hombre del retrato que cuelga de la National Gallery, pero de lo que sí estoy segura es que despertará el misterio a todos aquellos que lo vean, y ese misterio perdurará.
Muchos artistas han puesto su mirada en la obra de Jan van Eyck y han intentado reflejar con certeza el tratamiento del turbante rojo como un elemento imprescindible para dar elegancia a los retratados…

Y si Picasso mirara este retrato…me gustaría saber su opinión

La joven de la perla

2009-12-18T12:33:00.000-08:00

Hoy hemos celebrado un maratón de cine en el colegio con 4º de ESO y 1º de bachillerato y la película que correspondía a 4º era "La joven de la perla".
La película esta inspirada en la novela de Tracy Chevalier, una escritora que crea una espléndida novela que mezcla la novela ficticia con la realidad, sobre las relaciones que supuestamente pudo mantener el pintor holandés Johannes Vermeer con una joven criada que entra a servir a su casa.

La joven se convierte en la musa del artista y la platónica relación que se establece entre ellos sirvió para estimular la creatividad de Vermeer. Un mundo de silencios y miradas cómplices, donde las palabras sobran y la unión de sus almas puede sentirse en cada encuentro.
El cuadro de Vermeer posiblemente no sea un retrato, sino uno de los estudios de la cabeza de una mujer conocidos en tiempos de Vermeer como “tronies” (Se trata de retratos, normalmente de pequeño tamaño en los que el protagonista muestra una expresión facial).
La frescura y el encanto de esta obra no abandona la precisión con que está hecha.
La luz parece calentar desde dentro a la materia pictórica y parece hacerla vivir condensándose en detalles como la perla que brilla en su oreja.
Este puede ser el milagro de la pintura de Vermeer, su revelación de la vida secreta que se esconde en las cosas pequeñas y que puede darse a conocer en el observador de su obra si tiene ojos y corazón.
Vermeer siempre trabajó lentamente y con cuidado, usando colores brillantes, así como algunos pigmentos muy caros: como el azul intenso (lapislázuli) que destaca en algunas de sus obras.
Vermeer también empleaba colores terrosos y ocres que debían ser entendidos como luz cálida en una pintura fuertemente iluminada.
Este método fue inspirado muy probablemente por la comprensión que Vermeer tenía de las observaciones de Leonardo, donde manifestaba que la superficie de todo objeto compartía el color del objeto adyacente.
Esto significa que ningún objeto es visto propiamente en su color natural puro.
Se ha afirmado que Vermeer empleó una cámara oscura en sus cuadros para lograr el posicionamiento preciso de sus composiciones.

Norbert Schneider escribió:
"Sabemos hoy que Vermeer empleó una cámara oscura en la mayoría de sus cuadros y, de hecho, de forma que no oculta las condiciones de ese medio, sino que las hace visibles, como se puede reconocer en la falta nitidez de los bordes y los puntos de luz, el famoso "pointillé". Sus cuadros alcanzan de esta forma una calidad «abstracta», ya que no reproducen la realidad tal como es, sino tal como se ve, [...] Se puede decir que la «cámara oscura [se convierte] en una fuente del estilo»

El CAMINO DE SANTIAGO

2009-12-07T11:54:00.000-08:00

El lenguaje común del románico se consiguió gracias a la contribución de las grandes peregrinaciones.
En la Edad Media la devoción de los cristianos tenía una meta: llegar a las tumbas de dos apóstoles, Santiago en España y Pedro en Roma.Y la conexión con el centro de Europa se encontraba en la vía francígena.
El flujo de personas creó un intercambio de experiencias, lenguas, culturas y pensamientos.

Todo colaboró a que el arte occidental se distanciara claramente de la cultura bizantina con un renovado sentido de la acción y la claridad.
Por otro lado, los artistas, para hacer más eficaz el mensaje, adoptaron un fascinante sistema de signos, que aplicaban a esquemas y episodios que tendían a repetirse.
Pero, los peregrinos formaban parte de toda esta red artística que culminaba en el lugar al que se dirigian.

En Santiago, las esculturas del pórtico de la gloria mostraban el brío y alegría que el peregrino contemplaba deseoso de alcanzar.Era el saludo más deseado por aquellos que finalmente llegaban a la meta perseguida durante semanas: EL CAMPUS STELLAE, milagrosamente indicado a Santiago por el brillo de una estrella.

El "Camino" hacia la tumba del apóstol Santiago en Galicia se iniciaba desde cuatro centros franceses diferentes, en los que los peregrinos, procedentes de varias naciones se reunía para hacer comitivas y hacer el recorrido en compañía, lo que les daba además cierta seguridad.
Tras superar los Pirineos los cuatro senderos se unían en un solo camino.

Los peregrinos vestían de una forma semejante, como símbolo de identidad, aunque el auténtico símbolo de identidad era la concha de Santiago o vieira que aparecía reproducida en algunas fachadas y capiteles como cartel indicador,

como si se tratara de un aliento reconfortante para el caminante-peregrino.

EL DIVISIONISMO EN ITALIA. Color “dividido” para la Italia “ unida”

2009-12-01T02:41:00.000-08:00

Ahora que en 4º de ESO estamos estudiando la Revolución Industrial, podemos relacionar de manera descriptiva y gráfica este cuadro con la situación de los hombres y mujeres que pasaron por este importante acontecimiento de la historia.

Entre finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX hubo una corriente muy interesante en la pintura italiana: el divisionismo.
El divisionismo italiano sin ninguna duda se desarrolló a partir del puntillismo francés con una técnica muy parecida : una trama de pequeños toques de color (en el italiano se trataba de breves trazos no de puntos como el francés) separados unos de otros, capaces de sugerir formas ,figuras, colores…
Fue muy significativa la adopción del divisionismo para representar grandes escenas de tema social, de denuncia del malestar de una nación recién unificada que estaba sufriendo una dolorosa transformación en algunos sectores de la sociedad.
Los campesinos estaban soportando una nueva forma en una estructura arcaica y esto les hacía sentirse sustituidos por un mundo industrializado que les costaba asimilar, sobre todo en el norte de Italia.

El cuadro que mejor puede manifestar este sentimiento al que me refiero es el de Giuseppe Pellizza de Volpedo titulado "El cuarto estado" (1898-1901) en el que vemos claramente y de modo monumental el avance de una clase de trabajadores del campo hacia los nuevos barrios de las periferias industriales de las nuevas ciudades.

El cuadro marca un ritmo ordenado y las figuras centrales y avanzadas de los dos hombres que encabezan el grupo , con el pie derecho adelantado, fijan la atención del espectador.

En el diálogo del cuadro aparece la indiferencia hacia la bella figura de la mujer con el hermoso niño en brazos mostrando una nota de ternura compartida con la figura infantil de la derecha que es atendida por un hombre.
Son muchas las manifestaciones de descontento de los obreros y aunque resulte demasiado sutil, se puede oír el paso de unos pies cansados pero que no tienen ninguna intención de parar la marcha.
El color pardo con toques grises da uniformidad a la masa de obreros, sólo rota por la luz que parece salir del suelo y el toque cálido del chaleco del obrero que encabeza la marcha.

En ningún momento vemos desafío, ni provocación, ni siquiera valentía…

La cuadratura del círculo

2009-11-19T13:56:00.000-08:00

Y para rematar desde este espacio la semana de la ciencia en mi colegio, le dedico a todos mis alumnos y especialmente a mis alumnos de Historia del arte este trabajo.

El hombre de Vitruvio es un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado por Leonardo da Vinci a partir de los textos del arquitecto romano Vitruvio titulados
-Vitruvii De Architectura-, y del que el dibujo toma su nombre.
Leonardo se representa a sí mismo, desnudo y en dos posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrito en un círculo y un cuadrado.

Es cierto que Leonardo tuvo acceso a escritos que guardaban secretos y conocimientos de la antigüedad y sabía también el peligro que tenía revelar alguno de esos secretos, por ello muchas de sus anotaciones particulares, y algunas de sus obras públicas, están realizadas en una clave secreta que permite ocultar a la vista general la información que el artista plasma para un futuro lector, y que con la clave indicada, podrá descifrar en su momento.

El artista nos muestra a través de sus dibujos su maestría en la composición, y fundamentalmente, un profundo conocimiento de la antigüedad romana.
Sus investigaciones sobre los textos de Vitruvio y la geometría permiten asegurar que tenía un intenso conocimiento sobre la ciencia antigua y sus enseñanzas.

Exponer el saber y conocimiento que Leonardo atesoraba a través de los textos de Vitruvio no tiene porque parecer forzado, muy al contrario, Leonardo se identifica de manera completa con el arquitecto romano, y con toda seguridad fue entendedor de todas las enseñanzas de su lejano maestro en el tiempo.

El texto original de Vitruvio y que inspiró a Leonardo el dibujo donde se representa a sí mismo dentro de un círculo y un cuadrado nos remite directamente a que él creía haber alcanzado el secreto de la "cuadratura del círculo".

Las proporciones descritas por Vitruvio y Leonardo solo tienen sentido si realizamos un nuevo trazado, que aunque implícito en el dibujo original no aparece a la vista del observador
Me refiero al siguiente dibujo:
EL HOMBRE DE VITRUVIO EN MODULACION 10x10

En este dibujo Leonardo aparece dibujado dentro de un círculo de cinco codos de diámetro y de un cuadrado de igual dimensión que forma una cuadricula de diez por diez módulos.
La modulación del número perfecto :el diez.
El ombligo de su figura es el centro geométrico del conjunto. Es así como adquieren total sentido las primeras palabras de Vitruvio:

“Es imposible que un templo posea una correcta disposición si carece de simetría y de proporción, como sucede con los miembros o partes del cuerpo de un hombre bien formado.”

Leonardo en el interior del Templo, alcanza la cuadratura del círculo.

El círculo es símbolo del cielo y el cuadrado de la tierra, y el Templo intermedia entre uno y otro, y solo a través del Templo se logra la cuadratura del círculo, la unión indisoluble de la materia y el espíritu.
la modulación, oculta a simple vista, está en el dibujo de Leonardo y por los tanto concuerda con las palabras de Vitruvio:

"La disposición de los templos depende de la simetría, cuyas normas deben observar escrupulosamente los arquitectos. La simetría tiene su origen en la proporción, que en griego se denomina analogía. La proporción se define como la conveniencia de medidas a partir de un módulo constante y calculado y la correspondencia de los miembros o partes de una obra y de toda la obra en su conjunto."

Leonardo,con su obra comprende y alcanza "El Supremo Templo de la Arquitectura" que Vitruvio detalla en su texto:
"En conclusión, la ciencia de la arquitectura es tan compleja, tan esmerada, e incluye tan numerosos y diferenciados conocimientos que, en mi opinión, los arquitectos no pueden ejercerla legítimamente a no ser que desde la infancia, avanzando progresiva y gradualmente en las ciencias citadas y alimentados por el conocimiento nutritivo de todas las artes, lleguen a alcanzar el Supremo Templo de la Arquitectura."

Un abrazo para todos los científicos del colegio y enhorabuena a todos mis compañeros que han hecho posible que esta semana haya sido especial.

EL BIEDERMEIER (1810-1860)

2009-10-26T12:17:00.000-07:00

"VIRTUDES PRIVADAS, PLACERES HONESTOS"

El nombre de un movimiento estilístico refleja siempre su carácter, las características de quienes lo han fundado o incluso su intención crítica. El término Biedermeier (del adjetivo bieder = sencillo) tiene su origen en el apellido ficticio de un personaje hipotético de los diarios satíricos de la época (parece ser que el hipotético personaje representaba a un profesor sumiso y tradicional de la región de Suabia).En definitiva un representante de la clase media, de la burguesía alemana que era el público al que iba dirigido el estilo Biedermeier.

El estilo Biedermeier fue desarrollado por alemanes y austríacos; se caracteriza por una notable sencillez, sobriedad y tendencia a difundir lo práctico, con cierta influencia de estilos neoclásicos.
En la pintura el estilo Biedermeier refleja el ambiente burgués, sencillo, gozoso, afable y conformista, realza la estética de la belleza natural y tiene influencia en el arte y el diseño contemporáneos.
A comienzos del siglo XIX la burguesía exigía algo que hasta entonces había estado reservado a un selecto círculo de consumidores: deseaba objetos con estilo propio, hechos de diversos materiales, lo que fue posible gracias a la mejora de los costosos bienes de lujo hasta los sustitutos baratos. sistemas de producción. Así surgió una oferta de amplia gama, que abarcaba desde
Algunos retratistas de este estilo nos acercan al mundo de los afectos domésticos y además nos ofrecen en sus cuadros un notable ejemplo del mobiliario que también recibe el nombre de Biedermeier

El poeta pobre de Carl Spitzweg.

Munich, Neue Pinakothek

Un pintor que consiguió hacer célebres sus imágenes caricaturescas de la sociedad de la época fue Carl Spitzweg. Este pintor bávaro abre un capítulo singular en la pintura de la época de apogeo Biedermeier. Con un humor socarrón se burla de las costumbres burguesas en pequeños cuadros , haciendo honores a las escenas de ridículo ciudadano que presenta.
La enorme popularidad de sus cuadros se explica porque estos hablan del ciudadano medio.

Y...

¿Qué estaba pasando en España?

En España este período coincide con los reinados de Fernando VII e Isabel II.
El gobierno reaccionario de Fernando VII sumerge a España en una época de regresión hacia el despotismo y el absolutismo monárquico, y de retraso respecto del resto de Europa.
Durante el reinado de Isabel II se producen tímidos intentos de desarrollo frustrados en parte por las guerras carlistas. Como resultado de todo esto, se presenta una España muy poco propicia a dejarse influir por las tendencias literarias alemanas, más adecuadas para una burguesía conformista en un momento político estable, que para una sociedad pobre y subdesarrollada en comparación con otros países europeos, y mucho más activa políticamente hablando.
No obstante, hay algunas similitudes: Larra y su romántico pistoletazo final (se suicidó pegándose un tiro en la sien) fue el introductor de las novelas por entregas y de los artículos periodísticos, muy del gusto de la burguesía de la época

el reencuentro con Gertrude Vernon

2009-10-21T07:08:00.000-07:00

La ciudad de Edimburgo me pareció encantadora, una hermosa atalaya con un color gris dominante salpicado de verde.
Y cuando entré en la National Gallery of Scotland y recorrí sus salas...

estuve pensando mientras paseaba entre los cuadros, que aquel museo tenía bastante de provinciano, que había pocos vigilantes y que entrando en comparaciones, España parecía un país mucho más moderno.
Entré en una reducida habitación en la que todo estaba dominado por una sola imagen, la de Gertrude.
Gertrude, sentada -en una postura desenfadada- en un sillón rococó, recortándose ambos elementos ante una tela de color azul con decoraciones florales.
Su mirada se dirigía hacia mí, estableciendo cierta complicidad.
Miré el nombre del artista y leí Sargent; pude apreciar que su pintura se interesaba por las calidades de las telas y la dama tenía un glamour que yo había podido apreciar en las obras de Sorolla y de Monet.
La pincelada rápida y ligeramente empastada, me hacía recordar el estilo de los impresionistas y como no, de Velázquez. Los tonos empleados -rosas, turquesas, blancos- armonizaban, creando un atractivo juego de luces y sombras. Me detuve en los detalles, su mano derecha, con una flor entre los dedos, descansando de manera delicada, y la izquierda, con una pulsera dorada, cayendo de forma lánguida en el brazo de la butaca.
Pero fue su mirada la que me detuvo en la sala, una mirada de la seguridad en una misma, en una clase, en un destino, en la sabiduría de que nada de lo que esté por venir turbará el bienestar.
Estuve indagando en la obra y supe que se llamaba Gertrude Vernon, aunque muchos la conocían por Lady Agnew of Lochnaw. Su retrato lo pintó, entre 1892 y 1893, un americano nacido en Florencia, un tal John Singer Sargent (1865-1925). Al poco tiempo, pude volverla a ver en el museo Thyssen-Bornemisza, junto a otros cuadros de su autor y del español Sorolla.
Allí estaba ella, mirándome desde su butaca tapizada de marfil y flores.

La madonna de la silla... de Rafael

2009-10-14T09:44:00.000-07:00

Hace un tiempo descubrí muchas sensaciones ante la la obra de Rafael con esta Madonna.

Rafael cautiva con esta imagen de la Virgen María serena y natural, apretando al niño adormecido; evocando posiblemente el abrazo perdido de su propia madre que murió cuando él tenía ocho años.

Es la belleza que conmueve.

La Virgen de la silla, que se conserva en la Galería Palatina de Florencia, podríamos verla como una síntesis de la Gioconda de Leonardo

y el Tondo Doni de Miguel Ángel ....

Pero este cuadro es diferente a todos porque es la Virgen la que nos mira a nosotros y nos envuelve en un torbellino de afectos y miradas que es único en toda la historia del arte.

LOS OJOS DE LA VIRGEN se vuelven hacia nosotros. Resulta una mirada inolvidable, reforzada por la fuerza centrípeta del tondo y establece con nosotros una relación casi hipnótica.

Otra de las partes claves del cuadro es EL CODO DEL NIÑO JESÚS.

Ocupa el centro geométrico del tondo.

Este detalle confirma el control intelectual que ejercía Rafael sobre la composición tan aparentemente natural.
La luz hace que el codo doblado parezca levemente saliente del cuadro y produzca la ilusión de una superficie convexa: eso justifica el movimiento circular impreso al grupo de figuras y también el efecto de retroceso y leve deformación de la figura de San Juanito.

Los pies en movimiento delatan cierto aburrimiento por parte del Niño que está demasiado apretado por el abrazo de su Madre.

Las ropas de la Virgen y el peinado aportan un insólito exotismo por las combinaciones de color, libres y totalmente ajenas a la tradición iconográfica de María (siempre con ropas azules y rojas).

Y ¿por qué el nombre de la Virgen de la silla?
El nombre es por la elegante butaca en la que está sentada María y si la miramos con atención se trata de un mueble valioso, de madera dorada con respaldo de brocado y detalles dorados y púrpuras.

Rafael en definitiva utilizó un doble registro en esta obra:
· Una composición refinada con detalles valiosos y…
· Una conmovedora sencillez que sugiere un ambiente doméstico.

El Humanismo se deja sentir y valorar en la obra de Rafael.

VERTUMNO y POMONA

2009-10-09T13:50:00.000-07:00

En el jardín de la Isla en Aranjuez se encuentra la fuente de Vertummno

Ovidio, en las metamorfosis, cuenta que Pomona habría sido asediada por varias divinidades pero sólo el dios Vertumno la habría amado de veras.

Según el historiador británico Herbert Jennings Rose, esta historia sería solamente una invención pura y simple de Ovidio o de cualquier otro escritor relativamente tardío.

Éste se valió de una ardid para acercarse y hablarle: disfrazado como una vieja mujer, fue a felicitarla por las frutas de sus árboles y la abrazó de buen corazón. Entonces, le mostró un olmo enlazado por una vid y comenzó a defender la causa del amor.

Luego, le contó la historia de amor de Anaxareta:

“Anaxareta era una muchacha nacida en una familia noble de Chipre, amada con gran pasión por el pastor Iphis; pero ella reaccionó tan fríamente a su amor apasionado que el pastor se ahorcó.

Incluso así, viendo el cuerpo sin vida, no la conmovió. Como castigo, Afrodita la transformó en piedra mientras miraba por curiosidad la procesión del entierro de su amado pasar bajo su ventana".

Viendo que Pomona estaba fascinada por la historia, Vertumno le mostró su verdadero rostro, resplandeciente de juventud y salud. Pomona no lo resistió, y aceptó su amor.

Ese es el momento representado en la fuente del jardín de la isla en Aranjuez. Vertummo se muestra con toda su juvertud y belleza y adornado con los frutos, primicias, propios del cambio de estación (su nombre en latín significa cambio o mudanza)

El jardín secreto de Felipe II en Aranjuez

2009-10-04T02:58:00.000-07:00

En el origen del concepto de jardín secreto renacentista se encuentra todavía el hortus conclusus medieval que implica todas las características de secreto.

A consecuencia de la necesidad de intimidad, el interior del jardín renacentista se organiza de diferente manera según lo que se quiera manifestar.

Felipe II con Juan Bautista de Toledo, Juan de Herrera, Gaspar de Vega y Jerónimo Algora, son los verdaderos creadores del jardín de la Isla, jardín renacentista que guarda ecos de tradición flamenca e hispano-árabe.

Pero Felipe II estaba buscando una síntesis en el jardín de su palacio y sus colaboradores trazaron un jardín en recuadros rectangulares adaptados a la forma natural del lugar.

A la concepción del jardín renacentista como imagen del poder del rey o del príncipe se contrapone la búsqueda de un lugar apartado, "secreto", en el que poder dedicarse a la vida privada y a los afectos familiares.

Desde el año 1563 se comenzaron a construir algunas fuentes con “pilas de ladrillo, cañas de plomo, paredillas y suelos de azulejo”. Dándose al año siguiente “nueva y más graciosa forma; con calles y cuarteles para flores”

La nota hispano-árabe eran las plantaciones florales que se colocaron a voleo para conseguir agua de olor destilada al pie del jardín de la Isla.

En una de las cartas que Felipe II escribió a sus hijas Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela se refiere al “junquillo* amarillo que los llevaron de Aranjuez...”
El rey amaba las rosas con las que se formaron setos en la Isla y especialmente la mosqueta (rosa con la parte central amarilla). Mandó que le enviaran limoneros, naranjos, jazmines y murtas* de Sevilla, Málaga y Valencia, que se guardaban en un invernadero llamado “naranjería” durante los fríos
En la actualidad sólo queda del jardín de Felipe II, el pequeño jardín que conocemos los habitantes de Aranjuez como “jardín del rey”, está situado en la esquina suroriental del palacio donde los setos de boj dibujan un jardín de crucero con una fuente de jaspe en el centro.
Felipe II fue el creador de esa esencia que envuelve al visitante del jardín y a la vez se percibe la mesura y discreción que lo unifican.

Quizás este concepto de jardín cerrado marcado por concepciones geométricas representa un jardín secreto, un “hortus conclusus” que se inspiró en el pasaje del Cantar de los Cantares y que dice así:

“ERES JARDÍN CERCADO, HERMANA MÍA, ESPOSA;
ERES JARDÍN CERCADO, FUENTE SELLADA...”

Durante el Renacimiento el jardín secreto fue una zona protegida donde el señor podía tener una vida privada.
Semejante práctica se consolidará y evolucionará en los jardines barrocos en los que la imagen de jardín privado asumirá una gran importancia en los fastuosos parques de Versalles. Aquí ya no hay ningún tipo de recinto y se consigue la intimidad a través del alejamiento de la pompa de la corte. Con este fin Luis XIV mandó erigir el Trianón.

El concepto de jardín secreto continúa en el tiempo aunque se pierde la representación tipológico-arquitectónica a la que iba ligado.

Cefalù y Antonello da Messina

2009-09-29T03:23:00.000-07:00

Todo el que visita Cefalú (Sicilia) descubre la luminosidad de sus colores cálidos y su magnífico entorno: preciosas cuevas menores, ensenadas y playas, escarpados acantilados rocosos que bajan hasta el mar, olivares, huertos de naranjos y limoneros difundiendo el intenso aroma de sus flores, los montes arbolados... .Las maravillas naturales encuentran contrapeso con las obras de arte como la impresionante Catedral normando-árabe, los deslumbrantes mosaicos dorados del Pantocrator, el lavadero medieval...

...y la enigmática sonrisa del "Hombre desconocido" de Antonello Da Messina.

Tal vez resultó la búsqueda de aquel pequeño retrato lo que nos llevó a considerar un pequeño museo interdisciplinario: el museo Mandralisca, (incluye piezas arqueológicas, cuadros, colecciones malacológicas, muebles…)
Allí estaba el retrato de un hombre, que Antonello había pintado inspirado indiscutiblemente en modelos flamencos, pero con un aire italianizante y moderno diferente a los retratos de Memling que se importaban en aquellos años desde Brujas.

El retrato del "Hombre desconocido" (de aprox. 1470), con una enigmática sonrisa, con una nota de viveza expresiva y de relación directa con el visitante , se encontraba destacado sobre un fondo oscuro, y Antonello había recurrido a una gama muy limitada de blancos y negros que centraban la atención en la mirada del hombre.
Según la tradición habría sido encontrado por el barón en Lipari adaptado como la puerta de atrás de una farmacia. El personaje tal vez era un rico noble.
Sin duda los rasgos son de un hombre mediterráneo .
Antonello da Messina (siciliano) causó hondo impacto en otros pintores del sur de Italia, sobre todo por la utilización de las técnicas de los pintores flamencos.
Vasari consideraba que había sido discípulo de Van Eyck y que de ahí le venía la influencia; sin embargo, parece que Messina no viajó por Flandes o los Países Bajos.
Estas son las palabras de VASARI:

D(atur) O(mnibus) M(ori) ANTONIVS PICTOR PRAECIPVVM MESSANE SVAE y SICILIAE TOTIVS ORNAMENTVM HAC HVMO CONTEGITVR NON SOLVM SVIS PICTVRIS IN QVIBVS SINGVLARE ARTIFICIVM y VENVSTAS FVIT SED y QVOD COLORIBVS OLEO MISCENDIS SPLENDOREM y PERP y VITATEM PRIMVS ITALICAE PICTVRAE CONTVLIT SVMMO SEMPER ARTIFICVM STVDIO CELEBRATVS.

Todos hemos de morir, Antonio pintor principal gloria de su Messina y de toda Sicilia, no solo por sus pinturas de singular habilidad y belleza, con el color del óleo fue el primero en dar esplendor en Italia a la pintura, siempre los grandes artistas lo celebrarán.

La cúpula de Santa María de la Flores de Brunelleschi

2009-09-25T09:28:00.000-07:00

A punto de acabar mi licenciatura en Historia del Arte tenía la inquietud de tener una lista de obras preferidas y por encima del resto.
Comencé a pensar en la inmensa cantidad de pinturas que había visto en mi vida, sobre todo por la predilección que tengo por el arte de los pinceles. Recordé La Escuela de Atenas, que me hacía sentir de cerca a Platón y Aristóteles; pensé en las obras de Caravaggio, con el que entendí perfectamente lo que es el claroscuro, me detuve en los prerrafaelistas que me dejaban tocar el romanticismo, le dediqué un buen rato a las vanguardias históricas que siempre me han fascinado y como no, al impresionismo que además formaba parte de la decoración (en láminas) de mi habitación del C.M. Berrospe.
Sin embargo, pensé que con gran probabilidad mi obra de arte preferida estaría en Florencia, y así fue. Pero no era un cuadro, ni un fresco, era la cúpula que Filippo Brunelleschi construyó para Santa Maria del Fiore.

Florencia, en los últimos años del medievo, pugnaba constantemente con las demás ciudades de la Toscana, especialmente Pisa y Siena, en todos los niveles: político, religioso y cultural. Así, el levantamiento de las catedrales en estas tres ciudades se había convertido en una competición en la que demostrar no sólo al mundo, sino sobre todo a los toscanos, qué catedral era la más bella y, qué ciudad legitimaba su primacía sobre las demás. Pisa terminó a finales del siglo XIII, culmen de su hegemonía marítima, su espléndida catedral de cinco naves de ecos islámicos, y sus fantásticos baptisterio y campanile, aún famoso entonces sólo por su gran belleza. Siena completaba su catedral a comienzos del siglo XIV, un edificio imponente que dominaba desde lo alto el escarpado perfil de su ciudad. En el interior, los mosaicos del suelo y la abundancia de mármoles verdes la situaban en posición de disputar con Pisa el primer lugar. Florencia, en cambio, tenía una catedral a medio terminar, de largas paredes lisas, donde aún había que construir la cúpula, que por tamaño y esplendor, debía rivalizar conlas cúpulas más impresionantes, como la de Santa Sofía de Constantinopla.
El proyecto de Arnolfo di Cambio preveía una gran cúpula, pero pronto se dieron cuenta de que la carpintería de la época no podría construir la cimbra sobre la que levantarla, así que el agujero permaneció con el paso de los años, haciendo casi impracticable la catedral y convirtiéndose poco a poco en motivo de burla por parte de las ciudades cercanas. A finales del siglo XIV, Francesco Talenti creyó dar con la solución y construyó un tambor que debía facilitar el levantamiento de la cúpula; sin embargo, al terminarlo se vio que había sido peor el remedio que la enfermedad, y que el tambor no sólo no ayudaba a sujetar la cúpula, sino que hacía subir la altura total, algo que sólo aumentaba la dificultad global del problema.

A principios del siglo XV, el Comune de Florencia convocó un concurso buscando el maestro de obra que fuera capaz de solventar de algún modo el agujero que avergonzaba a toda una ciudad. Allí acudió un señor llamado Filippo di Ser Brunellesco, que sería más conocido posteriormente como Filippo Brunelleschi, y que hasta entonces era respetado tanto como platero (memorable altar de plata de Pistoia) como por maestro de obras, tales como la iglesia de San Lorenzo o la loggia del Ospedale degli Innocenti. A él y a Lorenzo Ghiberti, el artífice más conocido de la ciudad después de sus puertas de bronce para el baptisterio, se les asignó el hercúleo trabajo de completar la catedral.

Brunelleschi llevó la guía en todo momento de la construcción de la cúpula, si bien al principio el nombramiento como capomastro también de Ghiberti pudiera habernos hecho dudar sobre la autoría real de la obra.

La solución al agujero era tan sencilla como evidente: si no se podía construir una cimbra de madera, habría que levantar la cúpula desde el tambor. Para hacerlo, hubo que construir no sólo una, sino dos cúpulas. Una primera bóveda semiesférica y encima una apuntada, dejando vacía la parte intermedia para aligerar el peso. El método consistía en ir construyendo la cúpula en espiral, haciendo subir progresivamente el nivel de la misma, casi del mismo modo en que cae el helado de la máquina sobre el cucurucho. Para ello, había que colocar los ladrillos con un sistema conocido como "espina de pez", muy usado en la Antigüedad y que probablemente Brunelleschi conoció en un más que probable viaje a Roma. A pesar de este ingenioso recurso, el trabajo no se habría podido llevar a cabo sin las máquinas que el propio Brunelleschi diseñó para tal fin, y que hoy pueden verse en los espacios que hay de camino a la cima de la catedral.

Fue así como poco a poco la cúpula se fue completando hasta que estuvo terminada hacia 1434, siendo solemnemente inaugurada por Eugenio IV el 25 de marzo de 1436, día en que comenzaba el año en Florencia. En los años posteriores se completaron las semicúpulas de los brazos del crucero y el ábside y se culminó la cúpula con la linterna que hoy vemos.

La cúpula de la catedral de Florencia es mi preferida porque es la culminación arquitectónica en la que se combinan las tensiones desde dentro y desde fuera consiguiendo que el hombre participe del espacio casi divino que apuntan las líneas.

Leon Battista Alberti dijo que la Cúpula cubría con su sombra todos los pueblos de la Toscana; Yo creo que la cúpula es algo místico en sus líneas que no sólo no podemos descubrir sino que tenemos que dejar que nos llene, y nos acerque al lugar del que todo procede.